arte popular y artesanía de Venezuela

MACARIO COLOMBO - ARTISTA POPULAR

2012-01-27T12:30:00.000-04:30

MACARIO COLOMBO, ARTE Y EXISTENCIA

Macario Colombo artista larense que ha creado una obra paradigmática en el arte venezolano,

entrevista hecha por el historiador y curador Eduardo Planchart Licea.

Cortometraje realizado por la Fundación Cultural Ipiar Tumerem,

en su registro e investigación de las expresiones del arte, la cultura y las tradiciones venezolanas..

Macario Colombo: Sueños y artimañas

MERVIN RODRÍGUEZ

Macario Colombo: Sueños y artimañas
Acercarse a la vida de un cultor popular es acercarse – con el debido respeto – a su mundo mágico, a su mundo de encantos y desencantos, de ilusiones y de vivencias. Pero es también la oportunidad para conocer la otra historia, la no contada o poco contada o mal contada. Es entrar a la posibilidad cierta de oír y escuchar al propio autor, al protagonista de su cotidianidad, relatar su vida o parte de ella. Es conocer su concepción de las cosas más cercanas y de allí su ﬁlosofía de la vida.

De Macario Colombo conocemos desde hace ya algunos años sus cuadros: los hemos visto en algunos espacios públicos de la ciudad y en casas diversas. En una oportunidad llegamos a saber también que había algunos imitadores dedicados a copiar su trabajo plástico. Sin embargo, su persistencia o su terquedad, como él mismo la caliﬁ ca, han hecho posible que ese pueblo inteligente pueda diferenciar un verdadero cuadro de Macario de uno plagiado. La pintura en Macario Colombo no es una simple distracción para el tiempo de ocio ni para que su autor asuma poses esnobistas propias de ciertos “artistas” más pendientes de la publicidad mercantilista que del arte en sí. Constituye quizás su razón de ser y creencia permanente: “Me parece que pintar es un acto – para mí – el principal en la vida, vivo para eso”.

Podríamos aﬁ rmar que Macario Colombo es un militante de su arte como lo han sido muchos otros: “La pintura para mí viene siendo la responsabilidad más grande que tengo en este planeta, no tengo otra… La responsabilidad mía es ser pintor y con eso me siento tranquilo…"

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“... yo me crié hacia la pintura.”
Mi nombre completo es MACARIO COLOMBO ALDANA. Nací el 20 de junio del 46. Nací en Baragua. Eso parece que pertenecía antes a Falcón. Eso está entre la raya de Falcón y Lara, donde llaman la Sierra de Tamayare. En esos tiempos el que hacía alguna cosa en Baragua lo juzgaban era en Coro. Después parece que Lara agarró todos esos pueblitos de por ahí... Sierra Caritá, Ojo de Agua, pertenecían a Falcón.

Nosotros éramos cinco: dos varones y tres hembras.Han muerto ya dos. Uno es músico, toca aquí en la banda, yo me crié hacia la pintura.

La infancia mía fue pero muy sana, de andar en ríos, ¡claro! con la responsabilidad de ir a estudiar pero cuando me quedaba un rato libre agarrábamos hacia un río, bañarnos, estar allá, hasta que bueno no había horario. Era una infancia sin atajo, no como ahorita que el muchacho tiene el atajo de la calle, que no puede tirar una pelota porque le pega al vecino. Ahí no, esas son playas. Baragua es un desierto ahí uno puede jugar béisbol, elevá papagayo, ahí no hay ningún atajo de nada. Fue una infancia muy buena, fui muy feliz, fue muy bonita porque había mucha pureza. Fue una infancia que no tuvo ese tipo de complicaciones como la tienen ahora los muchachos con las drogas. En Baragua en esos tiempos ¿qué se iba a hablar de drogas?... bueno, los que tomaban alcohol, eso era todo. Ahorita no provoca – y que Dios me perdone – tener hijos porque uno los lanza en un mundo donde hay mucha droga, mucho vicio y eso los destruye, eso acaba con la familia.

En Baragua no había luz. Tenía uno que estar acostado ajuro, así no quisiera, a las siete de la noche. Tenía uno que llegarle a los padres tempranito.En mi casa nunca había radio, ni televisión, ni na´. Lo que había era un taller para trabajar. Simón Rodríguez decía que las casas debían tener taller y las escuelas también; tenían que ser escuelas-taller pa´ que el muchacho no sea lerdo, pa´ que se críe con creatividad. Los Aldana tenían esa gran viveza, de que sus hijos no andaban buscando trabajo en otras partes sino que ellos mismos los enseñaban. Tenían casas-taller.

Mis padres eran gentes muy humildes, muy tranquilos, muy sanas. Papá nos decía a nosotros: “no pidan ﬁ ao nunca, muéranse de hambre, dejen de estar debiendo a los demás porque usted al deber es inferior”. Nos enseñó a trabajar, nos enseñó a ser honrados principalmente. Papá, a pesar de no saber leer, nos daba lecciones. Yo hoy me mantengo exactamente como mi papá me levantó en ese aspecto; papá parece que se metió dentro de mí.

Mamá se llamaba Susana del Carmen Colombo Aldana y mi papá se llamaba Quirico Enrique Cordero. Tenía nombre italiano, me recuerdo del pintor De Chirico, creador de la metafísica. Mi mamá tenía un tallercito allá en la casa y trabajaba carpintería. Ahí se hacían guitarras, cuatros, mandolinas, instrumentos musicales en general. La creatividad me viene por mi mamá. Papá no sabía nada hacer instrumentos, venía de otra familia. Mamá venía de la familia Colombo Aldana que son creativos. El primero fue Luis Aldana, después sus hijos y después nosotros. Pero la creatividad viene por parte de los Aldana, ellos eran creativos.
Si una muchacha Aldana se casaba con un hombre que fuera albañil, ella tenía el poder de dominarlo para que aprendiera a hacer instrumentos. Mamá fue una; mamá dominó a papá y papá llego a hacer buenos instrumentos, inclusive, Papá superó a Mamá. Papá era más ﬁno haciendo un cuatro, una guitarra. Mamá era más rústica, se parecía más o menos a la Mamá de ella, a Pastora Aldana. Pastora Aldana hacía los instrumentos muy rústicos, ella poco los pulía, ni los lijaba, sino que los dejaba donde se le veían hasta los navajazos. Ellos trabajaban así porque eran gente del pueblo, gente que no tenía esos estudios cientíﬁcos, y ellos enseñaban a las personas.

La creatividad – yo creo – tiene algo de que ella crea otras cosas. Yo no me quedé haciendo instrumentos como me decía mi mamá. Me parece que una casa donde hay un taller el muchacho tiene que crecer con habilidad, no vamos a hablar de inteligencia. Tengo un amigo que dice que por ahí por el estado Anzoátegui hubo una familia que halló un muchacho donde había un corral de chivo, y el muchacho nada más aprendió a hacer como hace un chivo. Dicen que su cerebro se le cerró allí.

Una de las grandes dinastías de hacer instrumentos musicales en Europa como Antonio Stradivarius, Llamatti, Guarnieri, era porque ellos eran tradicionales; una sabiduría se la pasaban a otra generación y así, de generación en generación, como la pintura y la música.
Papá y Mamá eran muy unidos, sin tantos problemas como ahora. Los hogares ahora se disuelven es por los problemas económicos, tantos tipos de problemas que hay, ya los hogares no son como antes, compactos. Antes una persona para casarse le exigían tener casa y todo para eso mismo.

Mi Papá era un hombre muy humilde, no era violento, de un trato muy sencillo. No sabía leer pero nos daba lecciones mejor que quien sabe leer. Esto me quedó a mí por siempre: yo no tenía trompo, entonces mi papá me dijo “yo le voy a hacer un trompo”. Cortó una mata de yabo, trozó un palo de yabo. Me acuerdo que no supo hacer el trompo porque le quedó muy largo y los trompos largos no aguantan mucho el giro sino que caen facilito. Él fue el primero que me lo bailó. Un padre muy cariñoso, muy humilde, no bravo ni regañadiente, sino que todo se lo hacía a uno como con un juego. Se portó bien con Mamá, principalmente en el matrimonio. Un hombre que sí tuvo sus cositas pero no tantas. Papá muy de aquí en la casa, eso quiere decir que se amaron. Pero era también otra época. Era un padre para recordarlo.
Mamá sí tenía un carácter un poco complicaíto, era así como dulce-amargo. Mamá era la que nos pegaba, nos echaba látigo, apelaba a lo dramático.... “¿no vas a hacer esto? entonces te voy a pegar...” Y era que nos echaba de verdad. Pero era muy dulce al mismo tiempo, tenía como doble cara; era muy dulce, muy tierna, muy cariñosa. Yo me acuerdo de los cariños que me hacía y todas esas cosas. No sabía tanto, el único libro que leía era la Biblia, fue educadora, dio clases en el campo. Mamá era así, embromaíta porque de golpe uno tenía que avisparse porque si estaba con bromitas le caía a palo como se dice. Mamá dominó a papá. Mamá era lo que llaman – vamos a explicar – matriarcal. El matriarcado se
acabó por patriarcado; mamá se quedó matriarcal al caso tal que nosotros no somos Cordero, nosotros somos Colombo.

Mamá preﬁrió el apellido de ella para nosotros.Papá y Mamá vivían tranquilitos en la casa. Allí en esa casa no estaba oyendo nadie que mataron tantos en tal parte. No había radio, no había televisión, ni VH, ni medios. Ahí se oía era: “vaya busque agua, muchacho, vaya busque leña, líjeme esta guitarra...”, una cosa práctica, y así el hogar fue hasta que bueno, la muerte fue la que los separó. Mi hermana murió, mi hermano, Mamá murió, Papá murió. Pero fue la muerte, lo natural, lo que separó a esa familia.

Me cuenta mi abuelo que él fue un día a cazar venao por ahí y quedan nada más de la casa de nosotros cuatro palos clavaos en el suelo. Fue donde hizo papá una casita para vivir. Ahí nacimos.

“... en Baragua la gente parece un cardón....”
Por Baragua salen muchos fantasmas porque la gente cree mucho en superstición. La soledad crea dramas, o sea, la persona sola se pone hasta loca de tantas bromas que ve.
Baragua ya a las siete de la noche uno ve es los puros cocuyitos y alguna gente que pasa por allá con una vela prendida... eso es dramático.

Había una vieja ahí que parecía un fantasma de verdad, se llamaba Fabia. Fabia era arqueada y verla en una oscuridad, con una vela y una batola que le llegaba al suelo, la arrastraba al suelo y caminaba era pujando; un fantasma de verdad.

En Baragua no hay gordos, la ﬁgura de la gente ahí son ﬂacas; en Baragua la gente parece un cardón, un cují, y deformaos también. En Baragua conocí yo como a cinco deformaos, horribles. Me acuerdo uno que lo cargaban en una caja de madera que se la hizo mi tío Lorenzo. Una carrucha de madera para cargar a ese que llamaban “Taño”. Taño era un hombre que le creció na´más, se le desarrolló na´más el puro pecho y debido a eso se me quedó a mí en la mente.

Taño se me retrató a mí en la mente. Si pinté el fantasma de Baragua, Taño parecía también un fantasma. El tenía un sombrerote como un duende y el pechote grandote como el pintor Toulouse-Lautrec de Francia, y los pies se le pusieron ﬂaquitos. Él no podía con el cuerpo porque era un pechón muy grande, él tenía los pies ﬁniticos.

Luis Jordán era un personaje que cargaba leña en una carrucha. Vivía solo en una casa con una hija. Había también un músico, se llamaba Magdaleno Barradas, tenía un conjunto: marimba, cuatro y mandolina. Él era el que patrocinaba todas las ﬁestas. Había uno que llamaban “El Mocho”, Quintín El Mocho. Yo sí le tenía miedo a ese señor. Eso daba miedo ver a un hombre por una playa con una muleta, el pie era un tuco allí amarrao, parecía un pirata pues.

Otra cosa. El primer carro que yo vi. Eso me molestó a mí que todavía – a estas alturas – yo no me puedo quitar ese carro de encima. Ese es un carro que se echó a perder allá en Baragua, por la carretera entre El Paso y Baragua. Entonces yo venía adelante, yo me gustaba siempre ir alante en los caminos y mi mamá y mi papá atrás. Cuando di una curva así veo el carro. El carro lo botaron allí porque se quedó accidentao, tuvieron que dejarlo; el carro se oxidó. Tenía unos faros que salían pa’ fuera. Yo veo aquella broma, salgo
corriendo pa´tras y le digo a mamá que qué broma era esa, una broma que está allí. “No hijo, ese era el carro de fulanito que se quedó allí”. Ese carro me dejó a mí enfermo; pa’ mi es una cuestión patológica.

Me acuerdo del molino de Baragua cuando se le cayó la rueda. La tumbó el viento de tanto girar. Después – me acuerdo – yo presencié cuando estaban volviendo a poner la rueda y eso me gustó mucho porque en Baragua no se ve nada nuevo. Por eso es que se me queda. Uno le quedan imágenes que son tontas a veces, pero que son capaces, a través de sus tonterías, echarle a perder la vida a una persona. Personajes que para un niño no cuadraban, lo podían molestar; personajes que fueron moldeándole la vida a uno, moldeando la imagen de uno.

Entonces todo ese ambiente, en un niño sensible, me marcó completico.

El drama en la pintura mía de rojos, de negros, de azules, de contrastes, de violencia, se debe a ese mundo de violencia que tengo yo por dentro. Un mundo que fue difícil para mí. En Baragua se pasaba mucha hambre, mucho trabajo. En Baragua no vale tener plata porque si la bodega no tiene, entonces tú pasas hambre. Ahí todo pintor y músico que salga tiene que ser así: dramático, por que el ambiente lo conlleva a no ser feliz.

El que nace en Baragua va como signado a pasar hambre, calamidades...

“... hay algo que me impulsa...”
Yo estudié la primaria en Baragua, en una escuela que se llamaba “Juan Santaella”. De ahí, por problemas económicos en la familia, buscando mejoras, me vine para Carora, entonces estudié en la “Ramón Pompilio Oropeza”. Ahí hice sexto grado, después no pude seguir estudiando por cuestiones económicas y hasta cuestiones mías. Nunca fui un buen estudiante, siempre me gustó ser libre, deseaba sacar sexto grado para no ir más a la escuela. Yo lo que quería era pintar, el estudio me mantenía a mí como a raya, en un límite; tenía que ir todos los días a la misma hora y a mí los horarios me fastidian, no me gustan.

En Carora, Expedito Cortez era el director de la “Ramón Pompilio Oropeza”. Recuerdo que ese hombre llegaba a la escuela cuando yo estudiaba sexto grado. Había un cine en la escuela, yo no tenía plata para entrar al cine entonces nos quedábamos en el aula jugando. Expedito, para divertirnos, buscaba unas láminas. Me recuerdo que un día trajo un juguete, le daba vueltas para combinar colores pero ya yo traía la broma de la pintura. Expedito nos puso hasta pintar unos paisajes, yo no sé si él pintará pero nos ponía, nos inducía la idea de artes plásticas que era bastante raro en aquellos tiempos.

En aquellos tiempos para encontrar un pintor en Carora es difícil. Carora es una zona inhóspita para el arte, hay que ser sincero. Uno no entiende todo un portento de gente como Julio T. Arce nace en Carora y fue a estudiar hasta Alemania la pintura; es uno de los valores más grandes de la pintura en el estado Lara.

Yo empiezo a pintar en Carora en el año 71 más o menos. Todavía tengo el cuaderno de sexto grado de un dibujo que hice de la casa que quedaba enfrente. Mi hermano me dijo que cuidara el dibujo porque la casa ya la tumbaron. Y ahí lo tengo.

La pintura me empieza a mí como de doce años a rondar en la mente, tenía que hacerla, sigo pintando, es una necesidad mía que no la puedo dejar. Me tengo que quedar como pintor hasta que pueda, hasta que el cuerpo aguante.

Hay algo que me impulsa, hay algo parece que uno lo que está es loco, pero llega un momento de que había como una voz que me decía por dentro: “si tú no eres pintor no eres digno de vivir entre la humanidad”. Cónchale, ¿quién me decía eso? Yo sé que soy yo mismo porque yo no creo en extraterrestres ni cosas así, ni en fantasmas. Pero sí creo que había algo que me impulsaba, una fuerza muy extraordinaria. Tener yo que ser pintor cuando no se vendían los cuadros, cuando uno pintaba un cuadro y una persona llegaba y miraba era pa´llá y no miraba pa’ donde estaba el cuadro sino pa’ otras partes, entonces eso molestaba.
La pintura es tan fuerte en mí que luché, luché y luché y hoy por hoy no vivo mejor de la pintura porque no me quiero ir para Caracas o para otros países. A mí me estaban convidando.
En aquellos tiempos tendría razón la familia, viendo a uno que va por una profesión, que va a estar pasando trabajo... pero yo no, era tan fuerte en mí, era tan fuerte que yo luche contra Mamá, contra Papá. La actitud de ellos, en principio, se tornó indiferente porque creían que la cosa no era en serio.

Cuando me vieron dibujando esa casita y la casa de mi tía no me pusieron cuidao; creían que hasta allí iba a llegar la cosita. Me comenzó a agarrar más y más y ahí si fue verdad que me tuvieron que corregir. Mi hermano mayor me decía: “chico, estudia en la universidad, deja esa pintura”.

Yo pintaba un solo día a la semana, el domingo, porque era el que me quedaba libre. Tenía que trabajarle a una ﬁrma comercial aquí en Barquisimeto, donde hacían instrumentos musicales. Entonces, en ese rato libre, yo me ponía a pintar. Me acuerdo que me gustaba estar pintando siempre encerrao en un cuarto y un día me intoxiqué con los colores y juré no pintar más. Me dio una broma muy fea en el cuarto, me encerré, tranqué todo y quedó apenita la puerta abierta, y el óleo intoxica. Por cierto, me puse un poco mal de la mente. ¡Nooo! ¡yo no pinto más! me está llegando una broma mala y esto debe ser la pintura. Me deprimí pues. Al ratico por ahí, me vino otra vez la broma que tenía que ir a terminar el cuadro.

Cuando yo empiezo en la pintura aquí ni se exponía. Aquí los pintores que habían eran Trino Orozco, Requena, Díaz Lugo, y jóvenes me acuerdo de uno: Nelson Bolívar, Lulú Peña – que ya estaba mayor - , Arsenio Torres... Peroeso era un grupito. Ahora no, ahora hay pintores y ojalá que haigan más.

“... yo pinto por amor...”
El amor como yo lo veo es muy diferente, yo no voy a decir que soy un extraterrestre. Hay muchos tipos de amor: el sagrado y el profano. El amor sagrado es el que se le tiene a los hijos, eso viene del amor profano, del amor que uno tuvo con una mujer y le puso un hijo. Pero de ahí nace el amor sagrado, del amor profano.

El universo está hecho a través del amor. Quien hizo el universo lo hizo con bien amor. El agua es cristalina y nos bañamos con aquella frescura, los frutos sazonados, la tierra da vueltas cada tantas horas sin equivocarse, como por un amor, como para que nosotros no nos preocupemos. La naturaleza es hecha por Dios como para que nosotros nos amemos, nos enseña a amar, el agua es para todo el mundo.

Yo diría que sí creo en el amor. El que niegue que existe el amor está equivocao porque por amor es que vivimos, por amor hacemos todo, yo pinto por amor, dejo eso para la humanidad, eso es parte del amor que le tengo a la humanidad, es dejarle algo, dejarle un recuerdo.

Yo no fui aquel hombre romántico, claro soy normal, totalmente normal. La pintura me tenía más subyugado, así como de que no pueda salirme, de que yo tenía que ser era pintor. Entonces, cuántos amores quizás perdí yo porque la pintura era la que me tenía y todavía me tiene dominao. Todavía soy capaz de seguir perdiendo amores por la pintura.

Ahora estoy peor de metido en la pintura. Dios no puso a la mujer para abusar de ella, ni sexualmente ni en ningún tipo. Solamente para engendrar de un hombre. Las mujeres las hizo Dios pa’ uno y Dios tiene que comprender que es una necesidad.

Fui un poco tímido con las mujeres, bastante tímido, y esa timidez me ha servido de mucho porque el hombre vagabundo con las mujeres se destruye él mismo. A mí lo que me gusta es trabajar. Tenía un banco aquí, no salía de ese banco. Ahora hice uno peor, hice uno más grande para estar más subyugado al trabajo. La creatividad anula la sexualidad, ta´ comprobao. Al vago le da más tiempo a enamorar y ser romántico.

Mi edad que tengo ahorita no da pa’ estar con tanto de cositas, de querer tener todavía ilusioncitas; soy un tipo muy realista, estoy pa’ quedarme quieto en mi pintura. Yo sé que un hombre hasta de setenta años encuentra una carajita hasta de quince años que quiere vivir con él. Pero yo quiero vivir tranquilo con mi pintura mis últimos años, no tener enrredinas más que las que tengo; ya con mis hijos tengo una muy complicadita, esa es mi ocupación ahorita. Sí creo que hay que tener a alguien en quien pensar, alguien en quien preocuparse, pero yo estoy muy ocupadito con la pintura para estarme preocupando por otra cosita. La pintura me agarra cada día más. Yo nací para pintor y estarme metiendo en otros líos dañarían a la pintura y me dañarían a mí. Es mejor quedarme quietecito.

Cuando yo conozco a la mujer que se casó conmigo yo la dominé un poco y le dije: “mira muchacha, si no te vas de aquí, yo te voy a enseñar quiénes son los grandes músicos, los grades pintores, los grandes poetas. Yo no te voy a dejar escapar de aquí con la misma mente con la que has entrao.

Mira, a ti te gusta la música de Pedro Infante, yo te voy a poner también música de los grandes maestros. Te voy a poner primero Alí Primera y cosas sencillas, pero después te voy a remontar a que oigas a Beethoven, Bach y a Vivaldi.”

En los hijos míos ninguno se quiere inclinar hacia la pintura, ni les interesa, incluso, ni miran los cuadros. Llegan aquí, me ven pintando, los veo muy indiferentes, ni buscan acercarse. Ninguno me ha dicho: “Papá, yo quiero pintar”. No quieren pintar, ni las hembras ni los varones.

Mi hijo nació un poco rebeldón pero a ese yo no lo voy a dejar escapar. Yo le he puesto a Beethoven, a Bach, a Chopin, a Haendel y el músico que el más quiere: Antonio Vivaldi. El estuvo en el I.N.A.M y de allá me mandó a buscar la cinta de “Las Cuatro Estaciones” de Antonio Vivaldi. Yo con mucho gusto se la mandé. Mi hijo le gusta la libertad, mi hija ya se casó y la otr a es tr anquila, es a no se mete en problemas. Ojalá le gustara la pintura.

“Estoy pintando por una necesidad biológica”
Yo soy partidario de esto: la pintura viene como una intuición en el individuo, es a lgo intuitivo. Ningún tipo que sepa que va a ser pintor tiene porque estar yendo a Europa, y que me perdonen los que han ido. Yo creo que la pintura – sí estaba en mí – voy a pintar así sea feo o bonito, a mí lo que me interesa es pintar, no me interesa que yo sea académico.

El hombre desde que está en el vientre, desde que nace, ya viene inyectado de maluco o de bueno, de pintor o de músico. Yo le pregunté un día a un amigo mío, Manuel Bilquerman, pianista: “¿cuándo empezaste a tocar piano?”. “Mi mamá me decía que yo le tocaba en el vientre”. David pintó unos cuadros y decía que él los pintó desde cuando él veía en el vientre de la madre. Lo llaman visiones intrauterinas.

Será verdad o será mentira, bueno, allá él.Tengo treinta y tres o treinta y cuatro años encerrao.

Desde que llegué de Carora me metí aquí. El tiempo pasado y el encierro me han llevado a que no puedo ir a la escuela, además, creo que no estoy dañando a nadie. Si yo pinto sin escuela los demás pintores me caen encima, dicen que yo no soy buen pintor. Estoy pintando por una necesidad biológica, creo aquí más en lo patológico. Por eso, menos mal que hablo con muchos psiquiatras, psicólogos y hasta parasicólogos sobre cuál es el problema de la pintura. La pintura viene siendo el problema patológico del individuo. Ya Pifano, esos médicos me lo han explicado a fondo.

Yo digo: ¡hay que ver lo que la mente es capaz de crear! Si uno no hace eso es capaz de ponerse loco. Dónde está esa imagen dentro de uno. Esas imágenes no son copiadas, esas imágenes son buscadas en el inconsciente: de noche, mirando un lienzo, casi en la oscur idad, en penumbras, poniendo, quitando, después echar el color. Hay que saberle poner porque después él mismo va hablando también.

La pintura es viva, ella domina a uno y a veces hay que borrar hasta un cuadro también. El color no es muerto; veo el rojo, el azul, el amarillo que hablan, que son capaces de tener una voz quizás más grande que la que tengo yo, una voz capaz de dominar. Yo he visto gente que viene hasta de Caracas, de otras partes, de otros países a conocerme. Entonces la voz es fuerte porque va y habla hasta en Estados Unidos, por ahí, por Rusia... eso quiere decir que es una voz que se va introduciendo en el mundo y que poco a poco va escalando posiciones, van ayudando a uno a ser conocido, a no ser un desconocido. Hace tres días estuvo aquí un señor que me quería conocer, venía de Mérida. Fue a la exposición que yo hice en Mérida llamada “Sueños y Artimañas”.

Yo cuando estoy pintando no hay goce más grande que cuando están los colores diluyéndose unos con otros, buscando perspectivas, buscando profundidad, buscando objetos, buscando formas, buscando combinar colores que no haiga creado otro... todas esas cosas. Me parece que pintar es un acto – para mí – el principal en la vida, vivo para eso.

No soy académico soy un pintor libre, además, creo en esto. Quien enseña a pintar es la naturaleza, eso lo dijo Goya. Veo los crepúsculos, veo los árboles... lo que hay que ser es observador. Creo en lo que dice Uslar Pietri: “las cosas no hay que verlas ni´ más así, hay que estudiarlas”. Creo mucho en la rebeldía del pintor y del músico y del poeta. El pintor que no es rebelde y el músico que no es rebelde no son pintores...

Tiene que haber una rebeldía en contra de los sistemas que están hechos. Cualquiera como pintor viene a hacer lo mismito que hizo fulano de tal, una poesía viene a escribir igual que Godelier, que Tristán Salas, que Bretón, que total... no está haciendo nada por más que escriba bonito. Aquí Ramos Sucre, nuestro gran poeta que yo preﬁero, ese si es insuperable. Ramos Sucre, el de Cumaná, que descendía de Antonio José de Sucre.

Estoy en contra de la academia porque priva el estilo y priva la libertad. Yo creo que el estilo propio del pintor es la libertad; no creo en estilos , creo en la libertad del pintor. Un pintor que está atajado, supongamos, al impresionismo, entonces tiene que comenzar a leer el impresionismo y cómo dibujó el impresionista y quiénes eran los impresionistas y tiene que estar a raya. Pero un pintor libre, que carga un lienzo y haga lo que le da la gana sin el interés de exponerlo, ni de venderlo, ni de pasar a la historia ni nada, ese es un gran pintor porque él no está sometido a algo. Ahora, yo admiro más de todos esos pintores que tuvieron tanta libertad y que tuvieron tanta rebeldía como el Caravaggio, Miguel Ángel y El Greco principalmente. El Greco fue el pintor más grande quizás que ha tenido la humanidad. Yo no entiendo cómo estando en una época tan atrasada El Greco logra un estilo que es de ahorita.

“La propia etapa mía es el drama”
De tanto pintar he pintado dos cuadros que me han gustado, los demás ahí los tengo porque son mis pinturas. Pero parece que esa terquedad de tanto pintar de golpe el espíritu dice: “Bueno mijo, te voy a complacer. Hoy te voy a regalar un cuadrito porque eres un terco, eres un porﬁao”.

Entonces la mano pinta una cosa que a uno le gusta. Pero no es todos los días, el espíritu complace a uno una vez cada veinte años. Yo creo que el espíritu es superior a nosotros.
Ahorita yo me siento más responsable con la pintura. La pintura para mí viene siendo la responsabilidad más grande que tengo en este planeta, no tengo otra, me quito toditas. La responsabilidad mía es ser pintor y con eso me siento tranquilo, me siento que estoy cumpliendo la misión que vine a desarrollar en este planeta. Considero que es una necesidad biológica como patológica.

La pintura mía tiene etapas. Yo tuve una etapa muy romántica, muy bellísima. Todavía veo esos cuadros y me sorprende que yo haiga pintao eso, si a mí me gusta el drama, la oscuridad, las tinieblas, los fantasmas... Voy a confesar un poco la verdad. Yo pinté en una época – debe haber sido como en el 68 o en el 70 – unos paisajes que se podían llamar bucólicos. Hay una belleza trascendental, como un lirismo. Ahorita los veo y digo: ¿cómo voy yo a hacer eso? Es como cuando pinto ﬂores. He pintado ﬂores pero son dramáticas, son como ﬂores de papel, no son ﬂores de belleza que da la naturaleza, soy incapaz de poner un ramo de ﬂores y pintarlas.

La propia etapa mía es el drama. Cuando yo llego a pintar una pintura de tinieblas, de oscuridad, de terror, caigo en ese melodrama y no me puedo salir porque eso es un recuerdo de mi infancia.
Baragua es un pueblo dramático, yo viví mi infancia en Baragua y ahí nos metían mucho miedo, habían muchos locos, había que tener las puertas trancadas porque los locos llegaban tumbándole las puertas a uno. De acuerdo a las estadísticas Baragua batía un record, habían dos locos por casa.

Me crié en un campo así, muy oscuro y echaban muchos cuentos terroríﬁcos. Me acuerdo que un señor muy mayor que venía de Europa vivió en Baragua. Él le echaba muchos cuentos a Papá de la guerra y de problemas así y yo le ponía cuidao.

Hubo un fantasma que salía en Baragua, en el molino. Mamá me decía que él silbaba, lo llamaban El Silbador, muy diferente a El Silbón de los llanos. Y que era una vaina que pasaba por Baragua silbando, según cuentan los viejos. Otro me dijo que era un OVNI, cada quien le busca su vuelta.

Ya son treinta y pico de años que esa idea está rondando en la cabeza. Se me desarrolló la mente y no hace mucho tuve que pintar treinta cuadros con ese fantasma. Esa es una etapa fantasmal.

Pasé por una etapa azul clarita, muy bonita. Pero yo no soy pintor así. Yo soy pintor de tinieblas, soy pintor dramático, a mí me gusta el drama, no es la violencia; me gusta una pintura donde se reﬂeja un alma que sufre.

Ahorita estoy en una etapa que yo podría decir de una seriedad. No quiere decir que yo antes pinté cómicamente y que no fui serio. Tuve una etapa muy seria, tengo un cuadro que se llama “Viajera Fugaz”. Me atrevo a asegurar que esa etapa de la pintura mía es una etapa muy complicada. Pinte: “La Última Pirámide”, “El Tiempo Sonámbulo”, “Observaciones Metaf ísicas”, “Delirio”, “La Fuga”... Yo no tengo esos cuadros aquí, esos cuadros se han ido toditos. Pifano los recogió en diapositivas y a veces me los trae para que los vea.

“... el dolor es la verdadera escuela.”
Me parece que la escuela del dolor es la verdadera escuela. El hombre y la mujer muy felices no saben nada de la vida, el dolor es la verdadera escuela. Quien siente dolor siente todo porque el placer hay que privárselo. Yo creo que uno debe buscar el dolor para comprender la vida. Bueno, esa es una idea mía. ¿Quién se escapa del dolor? Tú huyes del dolor y más persigue; el dolor nace con nosotros. Hay una teoría budista que dice que nosotros nacemos, hay un dolor, lloramos; comenzamos a crecer, es el dolor; al morir, otro dolor pa’ la familia. Entonces todo es un dolor, aquí el placer es un poquitico. Este es un planeta como de expiación del dolor, aquí se expía todo el mundo a través del dolor. Uno dice: “Hoy sí me va a ir bien”, y le va el día peor. Uno no sabe lo que el destino le tiene deparao para un día, lo agarra lo malo.

Pero creo en el bien porque dicen “no hay mal que por bien no venga”. Ese es un dicho popular que todo el mundo lo sabe. Dicen los rusos que mejor es lo que sucede, lo que no sucede era porque no convenía y hay que dejarlo así porque lo que sucede es la realidad.
El bien es una preparación que te va a ir mal. Detrás de la cosecha viene la escasez. Cuando uno tiene mucho dinero guarde porque lo que le viene es eneas, si no guarda va a pasar mucho trabajo. La mucha abundancia se paga con la escasez a través del tiempo.

“... y nosotros con la pintura no queremos dogmas...”
Un día al Buda le preguntaron que cómo hizo él para alcanzar el nirvana. El decía: “Mira, búscalo tú de tu forma porque si yo te digo el mío te puedes perder. Búscalo en tu forma, tú también lo encontrarás”.

Así digo yo con la pintura también. Una persona me ve ahí pintando y gusta la pintura mía, ¿por qué tiene que venir a que yo le dé clases de pintura? No lo digo por egoísmo.
Hágalo también. Yo sí pude hacerlo; yo vengo de un monte, pinté el primer cuadro en Carora cuando en aquellos tiempos no existía ni promoción de pintura y de ahí me vengo embromando. Creo que todo tiene que tener un precio.

Para dar clases de pintura se requiere tener demasiados conocimientos académicos y de todo tipo, tener sicología. Un maestro tiene que hasta nacer para maestro y yo no considero que nací para dar clases de pintura, no lo soy y nunca lo haré. Yo nací para pintar nada más y el que quiera pintar que haga lo mismo, ese es mi consejo. Pero no puedo ser maestro de pintura, no me considero jamás y nunca con ese poder para enseñar a otro cuando yo posiblemente, como pintor, estoy en pañales todavía.

La pintura es como la música y la poesía. Un poeta por más que escribe y escribe, un escultor por más que haga ﬁ guras nunca encuentra una que lo complazca de verdad. Así es la pintura. Yo de tanto pintar he pintao dos cuadros que me han gustao, los demás ahí los tengo porque son mis pinturas.

Aquí hubo una escuela y tuve muchos amigos ahí que venían aquí, por cierto, mi gran amiga Beatricce Viggianni. Yo fui un día a la “Martín Tovar y Tovar”, ellos me obligaron a juro que fuera a revisar los cuadros de todos los pintores que estaban ahí, y yo con mucho gusto fui y los critiqué.

Se pusieron bravos conmigo porque les dije que todos se estaban copiando de Simón Gouvernier. Todos tenían como una marca. ¿Por qué querer parecerse a Simón Gouvernier? ¿Quién era él? Yo sé que era un artista, pero un artista no puede imponer su estilo. Obedecer a una escuela es obedecer a un estilo, es obedecer a un dogma y nosotros con la pintura no queremos dogmas, queremos ser libres. Si mi pintura no gusta... bueno, yo no nací para pintar para que gustara.

En Italia Miguel Ángel fue uno de los pintores más grandes del mundo y se mantiene todavía. Miguel Ángel dijo que había que esquivar las escuelas. Los griegos había que sacarlos de Italia a como fuera porque ya estaban hasta aquí de griegos: los capiteles, la arquitectura, la pintura. Todo era griego. Hasta que llega Miguel Ángel y crea lo que llaman el manierismo. A mí me parece que el manierismo fue el que abrió las puertas a todos los estilos que hay en la pintura, en la música, en todo.

David – el que pintó el “Juramento de los Horacios” – hace una copia ﬁel con unos cuerpos escultóricos. Para pintar como David hay que tener conocimientos cientíﬁcos, anatómicos, psicológicos y bueno... de todo pues. Pero ya esa escuela había decaído, no hay que seguir pintando como David.

La academia ha tenido sus puntos buenos cuando los pintores eran académicos. El David del que hablaba ahora ¿no fue a una academia? Miguel Ángel también estuvo en academia, Leonardo también. Leonardo veía los cuadros de Simahue, Simahue es su maestro, recibió clases de maestros buenos, de gran calidad. El Beroquio le dio clases a Leonardo pero entonces Leonardo lo superó.

“Nosotros estamos en un ambiente que no nos da seguridad...”
Cuando la fotografía nació dijo Pablo Picasso “la pintura se siente liberada por la fotograf ía”, ¿por qué? porque ahora vamos a crear lo que nos da la gana, ya el ojo mágico de la foto hace ver el paisaje igualitico. Voy ahora a pintar ese paisaje cubista, metafísico, surrealista, cualquier estilo, menos realista. El realismo – según Fernando Botero el gran pintor colombiano – es indominable, nadie domina el realismo. Leonardo tuvo después un estilo, el David también, toditos, porque la realidad es tan avasallante y tan endemoniada que este gran poeta, Ramos Sucre, dijo que la naturaleza dañaba al hombre en vez de ayudarlo lo que hace es dañarlo. Un hombre, en verdad, se pone a ponerle cuidado al sol, cómo amanece pero con esa fuerza tan portentosa que puede eliminarnos cuando le dé la gana, eso da miedo, el cosmos.

Sí creo que la naturaleza en sí no es muy beneﬁciosa para nosotros, eso tiene un control de Dios. Por ejemplo, una hecatombe, un trueno, un terremoto acaba con una ciudad. Nosotros estamos en un ambiente que no nos da seguridad, ni felicidad, un ambiente trágico, dramático, complicado. La naturaleza al querer dominarla un pintor no puede, se burla de uno. Una cara la pinta cualquiera, una cara muerta allí, con una nariz y unos ojos. Pero una cara como La Gioconda, Miguel Ángel con las Sibilas, esas son caras que te miran, parece que perforan el lienzo y clavan la mirada. Miles de personas hacen cola para mirar la mirada
de la Gioconda. Hay que ver la grandeza de ese cuadro. Ya Leonardo ahí se basaba en medidas que las había descubierto un pintor que se llamó... no recuerdo cómo se llamó, en el año miltrecientos y pico.

Yo tuve una época pintando realismo, eso es muy complicado. Yo no sé si es que uno busca lo más fácil, no sé qué pasará que el hombre moderno ya no tiene inteligencia para enfrentarse a los clásicos. Cuando hicieron a “Laoconte”, aquella escultura, ese era un sacerdote que lo acusaron y lo mataron con serpientes, Atenea le echó esa maldición, ahí hay un realismo. Cuando Miguel Ángel hace “La Piedad” le criticaron porque en el paño, atrás, hay unos rajuñitos. No puede quedar ni un rajuñito, tiene que ser perfecto, lo que llaman perfectitis aguda. Un tipo que sufre de perfectitis ta’ embromao. Leonardo y que decía que “La Gioconda” tenía que estar allí como viva. Nosotros lo que vemos allí es un cuadro todo dañado, que ya ni se ve. ¡Cómo sería! Hay una anécdota: Cuando Leonardo pintó “La Medusa” El Papa se iba trastornando, Leonardo la pintó tan horrible que el viejo duró varios días traumatizado. Cómo sería el poder de visualización de esa cuestión.

Volviendo al caso del realismo. El realismo no se puede copiar. Fernando Botero dijo que él había creado ese estilo, de sus gordas, porque todos los pintores tienen su estilo.
Cuando El Greco vio “El Juicio Final” de Miguel Ángel él y que dijo que mejor lo hubiese hecho él con los pies. Por eso al Greco lo sacaron de Italia.

“... el pueblo tiene mis cuadros.”
Aquí no hay críticos, aquí hay es comentaristas de arte, aquí se confunde el crítico con el comentarista. Un crítico de arte es Kenneth Clark, Arturo Uslar Pietri, Juan Liscano.

Pero yo vuelvo al caso de mi pueblo que me quiere. Barquisimeto, Caracas, Maracaibo, mucha gente han venido aquí a hablar conmigo, a estar conmigo un rato, de Mérida me quieren a mí. También hay unos que me odian, el amado es odiado siempre, no hay amado que no haya sido odiado. A mí lo que me interesa es el pueblo, no los críticos. Aquí está un crítico, se la pasaba aquí, hasta la alpargata me la retrataba. Después que escala posiciones políticas a él le preguntan mío y dice: “¿quién es ese?”. ¡Cómo es posible si se la pasaba aquí...! Para mí un crítico tiene que desprenderse de todos esos egoísmos. Un crítico tiene que decir quién soy yo, porque yo he trabajado aquí desde que llegué de Carora.

Un día Soto dijo: “los peores azotes de la humanidad son los críticos de arte porque ellos desvían la historia del arte”. Cuando el pueblo quiere a uno... que se olviden los críticos. A mí me quiere el pueblo, yo estoy seguro que a mí el pueblo me quiere porque el pueblo me visita, el pueblo me estimula, el pueblo quiere mis cuadros, el pueblo tiene mis cuadros. Por este lado, usted entra a cualquier casa, lo ricos en Santa Elena, ahí está un Macario Colombo. Entonces yo me siento muy feliz.

El pueblo me quiere y quiere mis cuadros; yo sé que mi pintura es amada por la gente, he visto hasta niños. Aquí han llegado tipos que ya tienen hijos y yo les regalé un cuadro cuando tenían siete años. Me acuerdo que un día estoy pintando un ramo de ﬂores y llega una señora con una niña y yo dije: “bueno, este ramo de ﬂores se lo voy a regalar a esta niña”. Esa niña creció, pasó el tiempo y después vino a conocerme. Ya tiene hasta hijos, ella tiene el cuadro. Esas generaciones van queriendo a uno y no olvidan a uno, uno se queda, no sé cómo hace uno para quedarse entre esa gente.

No hace mucho, este año atrás, me salió un viaje para Italia. Un griego me dijo: “mira, en Italia sí podemos porque allá te tengo y podemos vender mejor esto”. Por cierto, ahí tengo unas cartas que me mandó de Grecia. No chico, déjame tranquilito.

De Caracas vino en estos días uno de la CANTV, un viejo mayor: “mira, vamos a hacer una cosa pues, te pago todo porque yo para estar viniendo pa’ Barquisimeto a buscarte estas cosas... vamos a llevarte para Caracas, allá tu vas a tener todo, yo te pago todo”. Tampoco.

Yo creo en una palabra que dice: “si tú estás bien en un sitio, quédate quieto ahí”. Y yo mejor me quedo quietecito aquí, porque no vaya a ser que allá venga ese viejo y se muere de golpe. Yo soy pesimista un poco, por eso es que no he triunfado en la vida. Soy un tipo con una mentalidad un poco trágica, mis cuadros son con unos colores rojos, fuertes, oscuros, como en tinieblas, como buscando hacia un drama porque mi vida es dramática.

Yo me casé; mi mujer no quiere vivir conmigo, mis hijos tampoco quieren. Pero esa es mi vida; trágica, dramática.

“Yo tenía un proyecto alocado...”
Yo tenía un proyecto alocado; hacer un molino en Baragua pero me faltaban los reales. Tengo por ahí el proyecto de cómo se hacía ese molino para hacerle un homenaje al fantasma de Baragua. Eso pues, se tiene que quedar así porque hace falta muchos reales y yo sé que no hay plata para eso ni para nada. Era una cuestión que con el tiempo podía traer atracción para Baragua. Un molino bastante grande donde iba a tener girando al fantasma.... era una vaina un poco artística para que Baragua tuviera una especie de símbolo.

El fantasma de Baragua da hasta para hacer una película. Nadie sale que del molino fue donde salieron los tipos, estaban viviendo ahí por milenios. Ellos salieron y rondan toda Baragua. En ellos hay el que es músico, el que es médico, el que es poeta, todos los fantasmas esos. Uno de ellos se equivocó un día en el molino y se lo llevó por delante. El molino ﬁngió ser un árbol y cuando el fantasma trató de pasar sacó el aspa y lo mató. Tiene pues, cierta reminiscencia inconsciente de los molinos de Cervantes en el “Don Quijote de la Mancha”.

“Yo no he ganao público solamente con la pintura.”

Soy fabricante de instrumentos musicales, yo le trabajé a los Tamunangueros. El que le hacía los instrumentos más baratos era yo para que tocaran su música, es una colaboración a la cultura.

Ahí está el catire Ángel María Pérez, un gran amigo mío. El catire venía aquí con todo el conjunto. Yo le hacía los cuatros a Silverio Luna, al “chingo” Patricio, a Pedro Brito – que todavía está vivo – Es el único que quedó vivo de ellos. Todos se han muerto. ¿Quién le hacía los cinco y los medio cinco?... yo, para que tocaran su Tamunangue.

Eso no lo digo yo para sacarlo sino como una verdad que está en la historia mía. Entonces, ese es otro público que yo me gané. Yo no he ganao público solamente con la pintura.

Ahorita acaba de salir el señor de ahí que viene para que yo le ayude un poco a un violín que se le quebró la diapasón. Yo tengo una comunicación con todos los músicos, hasta con concertistas mundiales. Por lo menos aquí ha venido Darío González, Valmore Nieves, Ángel Morán que es el que más se comunica. Los demás se han puesto un poquito raritos. Ángel Morán es más humilde, está ahorita vendiendo bolígrafos en la veinte.

Entonces no tengo público solamente como pintor sino porque primero fui fabricante de instrumentos. He tenido dos públicos: los Tamunangueros y los músicos. Y vuelvo al caso de que el pueblo me quiere y los críticos yo los dejo quietos. Que sepan criticar, que conozcan la historia de la humanidad, del hombre, desde la pintura rupestre hasta ahorita. Pero estos son tipos que quieren ser críticos porque leen dos libros de Leonardo y leen una colección por ahí y dicen: “¡No..! ya yo estoy listo porque yo sé quién es Leonardo. Para ser críticos les hace falta mucho. Primero desprenderse de los tremendos egoísmos que tienen. Yo, Macario Colombo, digo que el tiempo es el que va a controlar todo lo bueno y lo malo que está pasando aquí.

“... me gusta estar solo...”
Deﬁnirse uno a veces puede pecar de pedantería y pueden decir “este tipo si es esto...” Yo no voy a decir que soy maluco ni que soy bueno. Si digo que soy bueno no me lo van a creé, si digo que soy maluco ahí sí me lo creen.

Yo me deﬁno en este momento una persona un poquito huraño, me gusta estar solo, me gusta estar tranquilo, no me gusta mucha compañía. Así me deﬁ no yo ahorita. Una persona un poco solitaria. Me siento solo, pero una soledad buscada por yo mismo y mis familiares me han entendido.

Soy una persona que a pesar de la soledad no pierdo el equilibrio, me siento bien equilibrado. No creo en la felicidad de todas maneras soy feliz, siento que no me alejo tanto de la felicidad. Así como estoy ahorita aquí estoy feliz, pero me estoy preparando para una infelicidad que me viene porque así es la vida. Si yo estoy feliz ahorita estoy preparado porque dentro de dos o tres horas me va a pasar una vaina mala para acompletar ésta, para equilibrarla. Por eso es que nadie puede estar aquí bravito porque le pasen cosas malas ni buenas.

Si usted tiene ahorita un día malo mañana será bueno.

La vida no es tan mala como uno cree. A mí no me va a pasar puro drama, puro malo no, no... A mí me van a pasar cositas buenas también. Me siento tranquilo por eso, porque si hoy estoy mal mañana estoy bien.

Creo que uno siempre tiene que estar puyado por bromas que lo impulsan a hacer algo. Tengo que forzarme a trabajar. Creo en la Providencia, soy creyente de la Providencia. La Providencia resuelve todos los problemas, he resuelto muchos a través de la Providencia, de pedirle a Dios Grande: Yo soy muy pequeño, soy bruto, yo no puedo resolver mis problemas, Tú tienes demasiada inteligencia. Siempre he creído que Dios es la inteligencia suprema.

Nosotros somos una inteligencia que nos dañamos a nosotros mismos.

Providencia Divina ayúdanos porque este problemita no lo voy a resolver yo.

Mervin Rodríguez

Octubre 1997-Septiembre 1998

ver / descargar texto pdf en --> http://www.elperroylarana.gob.ve/phocadownload/suenosysentimientos.pdf

Saúl García - vídeo

2011-12-28T19:06:00.000-04:30

"GENTE COMO UNO"

SAÚL GARCÍA

artista popular de Carabobo

GENTE COMO UNO" artistas populares del Edo. Carabobo

2011-12-02T18:52:00.001-04:30

"GENTE COMO UNO" artistas populares del estado Carabobo en la estación Cedeño del Metro de Valencia.

"GENTE COMO UNO" es la primera exposición de arte popular carabobeño en el Metro de Valencia.

Organizada por "ARAVANEY - colectivo de arte" con el apoyo de la C.A. Metro de Valencia a través de la valiosa gestión del Prof. Fredis Armas - asesor cultural de Metro de Valencia.

palabras de bienvenida por parte de Metro de Valencia durante la inauguración

el artista plástico, Prof. Fredis Armas asesor cultural de Metro de Valencia conversando sobre el arte popular y la exposición "GENTE COMO UNO"

"GENTE COMO UNO" ha sido posible gracias a valores como la amistad, la confianza y la voluntad de los participantes, esas maravillosas personas y creadores que son Lis Villamediana, Alberto Sierra, Luis Vivas, David Corona, Oswaldo Mora, Elizabeth Conde, Nelson Blanco, José Faneite, Gregorio Mijares, Aracelis Natera, Petra Useche y Saúl García.

Petra Useche, Luis Acosta, Lis Villamediana y Alberto Sierra en "GENTE COMO UNO"

gente como uno inaugurando la Exposición de arte popular y creadores del estado Carabobo.

"GENTE COMO UNO" no es sólo la exhibición de las Obras en ese espacio, TAMBIÉN es en esencia la "exposición" a los ojos del publico que recorre la estación, de " EL AUTOR Y LA OBRA", LA POSIBILIDAD DEL CONTACTO DIRECTO con los artistas populares participantes,

cuyos "ROSTROS" están "expuestos" en sus respectivos afiches junto a las Obras.

De modo que el espectador que se detiene frente a la OBRA-AUTOR perciba , sienta , que los " hacedores" de las obras expuestas son como él mismo, que son como yo, como tú, como todos, "Gente como Uno" capaces todos de PINTAR, TALLAR, HACER Y CREAR sin más permiso que el de la sensibilidad, la imaginación y la voluntad.

Luis Acosta - miembro del colectivo "ARAVANEY"

Desde el 1 de Diciembre 2011 al 15 de Enero de 2012

en el Metro de Valencia - estación Cedeño

Artistas participantes :

Gregorio Mijares - "El niño bonito de Patanemo"

José Faneite

Oswaldo Mora Núñez

Saúl García

Aracelis Natera de Mariño

Elizabeth Conde

David Corona

Luis Vivas

Alberto Sierra

Lis Villamediana

Luis Acosta

Nelson Blanco

Petra Useche de Chacón

"...artistas populares de Carabobo, gente como uno, gente como tú, gente como todos, gente creativa de manos nobles..."

- Luis Vivas Jaimes

".. creo en la amistad como el invento más bello del hombre,

creo en los poderes creadores del pueblo, creo en la poesía

y en fin, creo en mi mismo, puesto que sé que alguien me ama..."

- Aquiles Nazoa

“No he tenido que hacer investigaciones para conocer la cultura popular y las creencias populares, porque ese es el mundo de mi propia infancia y de mi formación.

Lo que deseo es que la gente reencuentre en mis obras lo que dentro de ellos mismos habían extraviado o no podían entender.

Que se encuentren a sí mismos"

- Mario Abreu

III BIENAL DE ARTE POPULAR - Naguanagua 2011

2011-11-08T08:12:00.003-04:30

INAUGURADA LA III BIENAL DE ARTE POPULAR

NAGUANAGUA 2011

Desde el 6 de Noviembre al 4 de Diciembre de 2011

MÉLIDA ESCALA | el siglo-Valencia

fotos | SEBASTIÁN MOLINA

Con 45 obras, este domingo fue inaugurado el III Salón Bienal de Arte Popular en el municipio Naguanagua, en homenaje al artista José Faneite. El primer premio lo obtuvo una guariqueña con su obra "Bolívar en sinfonía".

45 obras, en pintura y escultura, expuestas en el III Salón Bienal Naguanagua 2011, apreciadas por el público asistente.

El evento tuvo lugar en el hotel Hesperia World Trade Center , Av. Salvador Feo La Cruz, en el municipio Naguanagua, que contó con la presencia de representantes de la Dirección de Cultura de la alcaldía, patrocinante del salón; así como de los artistas ganadores y publico asistente a la inauguración.

Diosa Josefina Landaeta, obtuvo el primer premio, que consta de diploma y 8 mil bolívares, otorgados por la alcaldía de Naguanagua; segundo premio para la obra "Los ángeles coronan a la Virgen" de María Rosalía Valero, quien recibirá cuatro mil, 500 bolívares de la Secretaría de Cultura del gobierno de Carabobo y el tercer lugar, la obra de Saúl García, "Manuelita y Bolívar", con un premio de 3500 bolívares por parte de la Universidad Arturo Michelena.

El director general de la Alcaldía de Naguanagua, Rafael Rodríguez Coronel, expuso que el evento arrancó este domingo y se extenderá hasta los primeros días del mes de diciembre, siendo el más importante de la localidad, pues el segundo será la premiación formal de los ganadores, para lo cual no tenían fijada la fecha.

algunas de las obras de la Bienal

Comentó que los patrocinantes son la Alcaldía de Naguanagua, Gobierno de Carabobo y la Universidad Arturo Michelena, pero además tienen como patrocinantes la empresa privada y la galería Braulio Salazar, encargada de toda la museografía con un impecable trabajo.

Señaló que el arte popular es muy significativo, porque este es el único y último salón de arte popular que queda en Venezuela, en consecuencia el más importante.

Reconoció la importancia del evento, donde acuden artistas populares de diferentes partes del país, como es el caso de la ganadora, procedente de Guárico, el segundo lugar fue para un trujillano y el tercero para un ciudadano de Naguanagua.

Segundo lugar : "Los ángeles coronan a la Virgen"

de Rosalía Valero de Araujo

Con relación al homenaje a José Faneite, comentó que es un artista popular reconocido en todo el país, procedente de Puerto Cabello y hemos querido hacerle un reconocimiento, para recordar la importancia de este hombre, para que la gente lo pueda conocer.

Tercer lugar, obra "Manuelita y Bolívar" de Saúl García

Diosa Landaeta

Al conversar con la ganadora del primer premio de esta bienal, Diosa Josefina Landaeta, expresó que se sentía orgullosa de su obra, pues cuando la realizaba pensó que esta podría ser la ganadora.

Mi marido ya fallecido, era artesano y lo observaba constantemente y un día me dije que tenía que aprender hacer cosas para mí, dijo.

Agregó que optó por Simón Bolívar, porque siempre me gustaron las obras donde él aparece, por eso decidió pintarlo, trabajo que tardó más de cuatro días en concluirlo.

Comentó que tenía unos cuadros para el concurso, pero debió consultar con una comadre, para ver cuál enviaba y fue "Bolívar en sinfonía".

Primer lugar para Diosa Landaeta, con su obra "Bolívar en sinfonía"

José Faneite, artista homenajeado en la III Bienal de Arte Popular

texto original en :

http://www.elsiglo.com.ve/modules.php?name=News&file=article&sid=7078

DOCUMENTO EN PDF CON LOS GANADORES

VER EN --> VEREDICTO DE PREMIACIÓN

CATALOGO DE OBRAS PARTICIPANTES

HENRY PINO - artista popular

2011-11-06T22:33:00.000-04:30

Henry Pino, Pintor de vírgenes

"Pintar es una forma de oración”

Los Guayacanes —casa de Henry Pino— es lugar de alquimia. No debe causar asombro que allí las infusiones que el pintor prepara con las hierbas de su jardín cambien de color ante los ojos del visitante. Tampoco debe extrañar que su hogar contraste con la sequía propia de Paraguaná. Los Guayacanes es pura espesura verde, y es que Henry es un apasionado de las plantas. A ellas se entrega con la misma devoción con la que pinta —día a día— a la Virgen María.

Su pequeño taller, dentro de casa, es un espacio pleno de pinturas y estampas religiosas.

-“Me despierto todos los días a las 5:30 de la mañana. Me gusta el amanecer para meditar. A esa hora le prendo mis velitas a la Virgen, y me tomo dos cafés. Hago silencio para ver cuál es el llamado del día, qué debo pintar. Entro al taller y escojo por pura intuición la pieza con la que voy a trabajar”.

Nació en Punto Fijo y allí vivió hasta 1997, año que para él fue de finales y de comienzos. “Murió mi abuela, quien me crió, y ella era la única que me ataba a Punto Fijo. Me vine a Pueblo Nuevo y decidí cambiar de oficio (fue enfermero durante muchos años). También ese año conocí a Ela (su pareja). Y fue aquí donde años después empecé a pintar, con la certeza de que uno cambia todo el tiempo”. El hace uso de acrílicos, hojillas (pan) de oro y otras herramientas para plasmar su religiosidad. En su hacer, antiguas puertas y ventanas de madera de cardón (cactus) y de cují —olvidadas en el tiempo— vuelven a la vida con imágenes de procesiones, fiestas religiosas, tradiciones populares y, su motivo principal, la Virgen María en sus diferentes advocaciones.

- “No voy a la iglesia todos los domingos ni hago tres rosarios al día, pero tengo mucha fe en María, como energía ella me llena. María encarna la paciencia, el deber cumplido, la valentía con lo que le tocó vivir. Siempre que comienzo a trabajar me entrego a una de sus advocaciones. No hago bosquejos. La Virgen se da sola, al igual que los colores”.

De las que ha pintado en todo este tiempo sólo conserva una de ellas, la imagen de la Virgen de Chiquinquirá.

- “No me aferro a ellas. Vienen y se van”.

De su abuela recuerda el ritual de verla, muy temprano en la casa de Punto Fijo, abriendo puertas y ventanas:

- “Ella, al hacer esto, decía: ‘Entra Dios a la casa, bienvenido sol…’. Yo, al igual que ella, creo que las cosas en la casa se cargan de energía. Me pasa que me llegan tablas para pintar que me inspiran tristeza, otras me dan alegría, y otras me inspiran respeto”.

Con Ela tiene dos hijos. “A Patricia (tiene siete años) le gusta dibujar, y reconoce a las vírgenes. Cristopher tiene cinco años, es muy despierto, a veces tiene sus crisis y pelea con la Virgen, luego se le acerca y le disculpas. Eso también me pasa a mí, y es que uno tiene sus momentos de duda… Pintar es una forma de oración”.

TEXTO EN :

http://elrincondeyanka.blogspot.com/2008/08/henry-pino-pintor-de-oraciones-paraguan.html

VER EN :

http://posadalosguayacanes.blogspot.com/

http://www.venaventours.com/henrypino/default.asp

PENÍNSULA DE PARAGUANÁ - EDO. FALCÓN

CONTACTO : Carretera Buen Vista Pueblo Nuevo, Casa Los Guayacanes. PENÍNSULA DE PARAGUANÁ. EDO. FALCÓN

tlfs. 0269-414.38.66/ 0412-595.18.04/ 0412-590.93.51

0269-511.47.30 / 416-227.60.43 / 412-590.93.51 / 0416-661.38.13

correo : ela.pino@gmail.com / henrypino2408@gmail.com

GREGORIO MIJARES, "El niño bonito de Patanemo"

2011-10-27T19:18:00.001-04:30

Desde muy temprana edad pintaba las figuras religiosas que su madre tenía en un lugar muy especial de su cuarto, así como las imágenes que veía en las revistas que traía su tía desde la ciudad de Caracas. A partir de allí comenzó a expresar su arte.

Su nombre es Gregorio Mijares y lo apodan “Niño Bonito”. Nació en Los Caneyes de Patanemo, un 28 de noviembre de 1948, en el municipio Puerto Cabello, pueblo famoso por su bahía, la cual es visitada por turistas nacionales e internacionales. Está ubicada entre Punta de Yapascua (al este) y Punta Peñón (al oeste)

Para “Niño Bonito” la figura era una incógnita que pertenecía a un mundo extraño, sobre todo en aquellos tiempos cuando se hablaba de inventos, elementos y animales que aún él no conocía, como el aeroplano, el vapor, la limosina, el elefante y otra cantidad de cosas que escuchaba que existían.

Sin embargo, su imaginación lo lleva a dibujar, en la tierra del patio de su casa, rayas y garabatos con un palito de madera. Es a partir de allí cuando nace su pasión por la pintura.

Luego fue a la escuela y no precisamente a la de artes plásticas sino a la pública, donde aprendió a leer y a escribir, a dibujar el mapa de Venezuela, el aparato digestivo y aquellas figuras e imágenes impresas en los textos de educación primaria. Continuó coloreando y pintando y la casa materna la forró con sus dibujos.

En una oportunidad, una de sus maestras le pidió que pintara un cuadro para subastarlo en un evento de acción social. Allí se da a conocer como artista ingenuo. Se apasiona por mostrar en sus cuadros, las escenas y paisajes de la comunidad porteña.

Sus trabajos han estado presentes en las mejores salas de arte del país, lo cual le ha permitido ganarse el reconocimiento como “hijo de las artes plásticas” y ser valorado por el resto del pueblo venezolano.

Pero no sólo se queda allí, su arte ha transcendido las fronteras y ha recorrido el planeta, “mis obras nacieron para ser vistas por toda la humanidad”, afirma Gregorio Mijares.

También es escultor y en sus obras destaca un planteamiento ecológico y antropológico siendo su arte de carácter tradicional africano. “En una eterna armonía, entrelazo la paz del hombre y el ambiente ecológico”, así lo podemos apreciar en "Charquita con botes de papel", donde muestra a unos niños jugando con barquitos hechos con papel en aguas estancadas.

Humaniza y valoriza su instrumento favorito en "Dos obras, 9 paletas" la cual permanece en el Museo de la Casa de Juan José Flores de Puerto Cabello.

Considera que es leal a su obra, principio que lo ha llevado al campo de la sutileza. “La textura es parte de la riqueza de mi obra, especialmente si es de carácter ingenuo ecológico, la cual juega con muchos elementos que le dan un valor natural a la pintura”, comenta.

En sus esculturas predomina el ensamblaje técnica mixta porque utiliza varios materiales. Talla en madera de caoba, cují, roble, vera y otros, y les incrusta piedras.

Entre los reconocimientos, Gregorio Mijares ha recibido el Inventario de Patrimonio Vivo del Instituto de Patrimonio Cultural (IPC) 2006, la Mención Honorífica Salón Fundarte, Caracas; el Premio Salsomaggiore Turne, Italia 1996; la medalla en grado Caballero, Gobernación del estado Carabobo, 2004, y la Orden Botón de la Ciudad en su única clase Toma de Puerto Cabello, Carabobo, Venezuela 2006.

Ha participado en la Muestra Rural del Ministerio de Educación, Caracas, 1968; en el XLIII Salón de Artes Visuales Arturo Michelena, Valencia, Carabobo, 1984; en la muestra de la Cámara de Comercio (1984, 1985, 1987 y 1990), Puerto Cabello, Carabobo; muestra del Ateneo de Cabudare, Barquisimeto, estado Lara 2000; Muestra Popular en la Embajada de Estados Unidos, 2005 y en la exposición Dos Mundos, Galería Minerva, La Victoria, Aragua, 2006. El Niño Bonito y el color se encuentra actualmente en la posada Vuelta Canela, que está por la vía de Patanemo.

texto tomado de

http://www.ministeriodelacultura.gob.ve/index.php?option=com_content&task=view&id=2108

en "FABULADORES DEL COLOR"

de Mariano Díaz - 1988

vía Patanemo - Edo. Carabobo

Contacto : posada "Vuelta Canela",

en la vía a Patanemo, preguntar

EVELIO RODRÍGUEZ - Venezuela en muñecos

2011-10-14T11:37:00.000-04:30

... y me atreví a soñar, entonces vi a una Venezuela GRANDE llena de puros muñequitos. Un día de los Inocentes 28 Dic. 2010 le di vida a tráves de mis manos a un Dragón Blanco para el cumpleaños de mi hijo Kevin Aarón (Coleccionista de Dragones), "Primer Dragón" por lo menos en mi familia, con el sello Hecho en Venezuela, y ahí comienza esta Historia...

Soy un Artista Plástico empírico, nacido en San Félix pero Deltano de corazón, y represento al Estado Delta Amacuro en mi obra con mucho cariño, realizo esculturas Blandas (mejor conocidas como muñecos en tela), me gusta hacer personajes históricos, pero también he realizado esculturas de Personajes Deltanos, de Artistas plásticos, cantantes, bailadores, he cubierto algunos pedidos y sugerencias de amigos, coleccionistas, y a amantes del arte, con personajes específicos unos de orden religioso otros de orden artístico.

Creo en Dios por encima de todas las cosas, en que el Universo es perfecto asi no lo podamos ver (sobre todo en momentos difíciles) que somos co-creadores de todas las cosas y situación que vivimos, por lo tanto somos labradores de nuestra propia suerte y responsables de lo que proyectamos.

Puerto Ordáz - Edo. Bolívar

Contacto:

tlfs. 0424 9222898 / 0416 1907168

mivenezuelaenmuñecos@hotmail.com

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RAFAEL MORALES - ARTISTA POPULAR

2011-08-19T11:34:00.001-04:30

CONVERSACIÓN CON EL PINTOR

RAFAEL MORALES MÁRQUEZ

Alexis Vázquez-Chávez

AV- Los artistas al igual que todas las personas tienen su historia, y hay circunstancias que lo conducen a la creatividad, por eso. ¿En qué momento de la vida te encuentras con el arte? Explícalo:

RM- Desde niño estuve vinculado con el arte, porque en mi familia están mi abuelo José Márquez, tallista popular; mi tío Martín Morales, artista plástico y mis padres Emiro y Maritza que son artesanos. Todos ellos muy comprometidos con el arte, y por supuesto, influyen en mi. A partir de los doce años comencé a trabajar en el taller de mi padre, con las tallas de madera policromada, visitaba otros talleres de tallistas, tiendas de arte y galerías; esto me motivó y me hizo ser sensible ante el mundo del arte.

AV- Vemos que además de la pintura has creado tejidos y piezas de arte tridimensional como las tallas y también con la madera haces objetos utilitarios como muebles, por ejemplo, pero que no pierden la intención artística; esto indica, si no me equivoco, que hay una investigación previa ¿Es así o no? Háblanos de ello.

RM- Es así, conozco materiales como la madera, he elaborado muebles con diseños funcionales, valiéndome del sentido común. Así como la manipulación de las fibras naturales como la lana, el fique, entre otros, con ellos realicé tapices de gran formato. Todo esto me llevó a la pintura porque con ella daba color a estas piezas artísticas, aplicando varias técnicas, de acuerdo a los materiales utilizados. He incursionado en el arte poco a poco a través de la experiencia, estoy investigando y asesorándome para lograr con éxito este andar.

AV- Al respecto ¿qué otras cosas de arte has hecho? y ¿qué puedes agregar para mayor información de quienes lean estas líneas?

RM- La cerámica, trabajo que aprendí con mi madre, utilizando el torno para hacer piezas utilitarias. También en algún momento hice macramé y orfebrería. Toda esta vivencia ha sido fundamental como proceso artístico para plasmar de alguna manera en la tela, hechos relevantes de las fiestas populares de nuestra región.

AV- En esta etapa de tú vida trabajas con mayor intensidad la pintura ¿Qué técnica utilizas?

RM- La técnica utilizada es acrílico sobre tela.

AV- Sin embargo, vemos que el lenguaje que expresas en las telas se vincula a la figuración y a las tradiciones del pueblo andino, rico en colorido y la intervención de las multitudes. De allí que sería importante lo que digas en relación con la propuesta que estas creando:

RM- Sí, todo lo planteado viene de recuerdos de mi niñez, de mis vivencias al participar en las ferias y fiestas, de la alegría de la gente al concurrir masivamente a todos los actos en esta bella zona en el Valle del Mocotíes.

AV- Entonces en la pintura tienes un proyecto personal, por así decirlo, en este caso ¿cuál sería?

RM- Seguir trabajando, la constancia es muy importante, se va mejorando la técnica y la creatividad va fluyendo, van saliendo cosas sorprendentes.

AV- Bien, Rafael esta conversación puede extenderse, pero tiene mayor importancia lo que piensas y haces con la pintura. De manera que y en relación con esto ¿qué manifestarías para el conocimiento de los espectadores de tu obra?

RM- Es la manera de rescatar las tradiciones de los pueblos, que se van perdiendo poco a poco. En mis pinceladas ofrezco al espectador un recorrido por estas fiestas y tradiciones. También involucro a los niños y jóvenes que desconocen estas manifestaciones culturales.

TOVAR - EDO. MÉRIDA

CONTACTO :

Final carrera cuarta, sector El LLano, preguntar

tlf. 0416 1792988

rafaartepopular@gmail.com / rafael.morales2010@hotmail.com / rafaelemiro@yahoo.com

www.rafaartepopular.artelista.com

BASES DE LA III BIENAL DE ARTE POPULAR NAGUANAGUA - 2011

2011-07-08T15:40:00.002-04:30

III BIENAL DE ARTE POPULAR NAGUANAGUA 2011

La Alcaldía del Municipio Naguanagua, a través del Instituto Autónomo para la Cultura del Municipio Naguanagua, y el apoyo del Hotel Hesperia WTC Valencia, invitan a participar en la III Bienal de Arte Popular Naguanagua 2011, dedicado al artista José Faneite, este salón tiene como objetivo incentivar, divulgar y apoyar la obra de los artistas populares de la región, ofreciéndoles un espacio para mostrar sus experiencia creativas y de esta manera, contribuir a la difusión y promoción de los valores propios de los hacedores populares del municipio, la región y el país; como una forma de consolidar el desarrollo de la cultura autóctona y el crecimiento espiritual, elevando el nivel cultural y educativo de las comunidades naguanaguenses.

ARTÍCULO 1: DEL TIPO DE EVENTO, SITIO Y FECHA

El III Bienal de Arte Popular Naguanagua 2011, es una confrontación artística de carácter nacional que se realizará en el Hotel Hesperia WTC Valencia, del 06 de noviembre al 04 de diciembre del 2011.

ARTÍCULO 2: DE LOS PARTICIPANTES

Podrán participar todos los artistas populares de todos los estados y/o extranjeros con más de cinco (05) años de residencia en el país.

ARTÍCULO 3: DE LAS CONDICIONES DE PARTICIPACIÓN

3.1- Cada artista podrá participar con una (01) obra o conjunto de obras, en cualquiera de las especialidades tradicionalmente utilizadas en el arte popular, el tema y las técnicas son libres.

3.2- Las obras deberán ser inéditas, no expuestas antes en cualquier otro salón, y realizadas entre los años 2010 y 2011.

3.3- Las obras deberán estar identificadas con los siguientes datos: autor, título, fecha de realización, técnica, dimensiones y valor expresado en moneda nacional.

3.4- Junto a la(s) obra(s) participante(s), deberá consignarse una hoja de vida y fotocopia de la cédula de identidad.

3.5- El artista participante deberá llenar una planilla de inscripción con los datos requeridos y deberá consignar la copia de ésta, como único documento válido para el retiro de la obra.

3.6- Las obras deberán ser entregadas en perfecto estado de conservación e integridad, aptas para ser expuestas.

3.7- Las obras bidimensionales deberán ser enviadas con los respectivos marcos de museo o listones de madera natural. Las obras tridimensionales, deberán estar debidamente embaladas y protegidas.

3.8- El artista participante es responsable del envío y retiro sus obras.

ARTÍCULO 4: DE LAS ESPECIALIDADES TÉCNICAS

4.1- El III Bienal de Arte Popular Naguanagua 2011, abarcará obras de carácter bidimensional y de carácter tridimensional.

4.2- Se entiende como obras de carácter bidimensional las pinturas, dibujos, relieves o cualquier otra obra realizada sobre superficie plana en cualquier tipo de soporte, con unas dimensiones máximas de 120 x 120 cm.

4.3- Se entiende como obras tridimensionales, las esculturas elaboradas en madera, piedra, ensamblajes y/o realizadas en materiales diversos. Estas obras no deberán exceder de 100 x 100 x 100 cm. y su peso no debe ser mayor de 60 kg.

ARTÍCULO 5: DE LOS PREMIOS

Primer Premio, “Alcaldía de Naguanagua” otorgado por el Instituto Autónomo para la Cultura del Municipio Naguanagua, a la mejor obra o conjunto de obras en cualquiera de las especialidades, consistente en Ocho Mil Bolívares (Bs. 8.000,oo) y diploma.

Segundo Premio “Secretaría de Cultura del Gobierno de Carabobo”, otorgado por esta institución, consiste en Cuatro mil quinientos Bolívares (Bs. 4.500,oo) y diploma.

Tercer Premio, Universidad “Arturo Michelena””, otorgado por este organismo, consiste en Tres mil quinientos Bolívares (Bs. 3.500,oo) y diploma.

5.1- Todos los premios tendrán carácter adquisitivo y las obras premiadas pasarán a formar parte de las colecciones de las respectivas instituciones otorgantes.

5.2- Se otorgarán las menciones honoríficas que el Jurado Único de Admisión y Calificación considere.

5.3- Se entregará certificado de participación a todos los artistas cuyas obras sean admitidas en el III Bienal de Arte Popular Naguanagua 2011.

5.4- No podrán ser declarados desiertos ni ser objeto de división ninguno de los premios ni menciones.

ARTÍCULO 6: DEL JURADO ÚNICO DE ADMISIÓN Y CALIFICACIÓN

6.1- La admisión y calificación de las obras del III Bienal de Arte Popular Naguanagua 2011, será realizada por: Carmen Araujo (promotora cultura y especialista en arte popular), Ilich Rodríguez (docente universitario y museógrafo) y Carmen Sofía Leoni (experta en arte popular y Museo Bárbaro Rivas de Petare) todos de reconocida trayectoria en el país.

6.2- Las decisiones del jurado son inapelables.

ARTÍCULO 7: DE LA RECEPCIÓN DE LAS OBRAS

La recepción de las obras se realizará desde el 15 julio y hasta al 30 de septiembre de 2011, en el Instituto Autónomo para la Cultura del Municipio Naguanagua, ubicado en la Av. Valencia, Complejo Deportivo y Cultural “Don Bosco”, Naguanagua, Edo. Carabobo. Telf. 0241-8674441. De lunes a viernes en horario de oficina.

ARTÍCULO 8: DEL RETIRO DE LAS OBRAS

8.1- Las obras no admitidas deberán ser retiradas en el Instituto Autónomo para la Cultura del Municipio Naguanagua, durante los quince (15) días hábiles siguientes a la publicación de la lista de obras admitidas, lo cual se hará en los medios de comunicación impreso de la región.

8.2- Las obras admitidas deberán ser retiradas durante los treinta (30) días hábiles siguientes a la fecha de clausura de la III Bienal de Arte Popular de Naguanagua 2011.

8.3- El Instituto Autónomo para la Cultura del Municipio Naguanagua, no se hace responsable de las obras que no sean retiradas en los lapsos señalados y puede disponer de ellas, según lo determine la Junta Directiva de la Institución.

ARTÍCULO 9: DE LA ACEPTACIÓN DE LAS BASES

9.1- La participación en la III Bienal de Arte Popular Naguanagua 2011, se considera como aceptación de todo lo establecido en estas bases.

9.2- Lo no previsto en estas bases, será decidido por el Comité Organizador del III Bienal de Arte Popular Naguanagua 2011.

COMITÉ ORGANIZADOR

III SALÓN BIENAL DE ARTE POPULAR NAGUANAGUA 2011

Lunes Rodríguez Coronel, Alí Hernández

Carlos Rojas y Sixy Sequera

Naguanagua, abril 2011

www.alcaldianaguanagua.gov.ve

SOBRE JOSÉ FANEITE ---> http://artesanosdevenezuela.blogspot.com/search/label/JOS%C3%89%20FANEITE

NOTA : el "cartel" - no oficial - que ilustra esta entrada es un aporte en colaboración para la promoción y difusión de la convocatoria y la bases de este evento.

Luis Acosta - artesano

HUMBERTO RIVAS - maestro juguetero

2011-07-02T23:11:00.001-04:30

“Antes de tener pelos en la barba ya sabía que quería dedicarle la vida al jugar… Y aprendió todo lo que pudo de su mentor Javier Villafañe, aprendió de mecánica, de física, de inventar cuentos… y con el tiempo se convirtió él también en un mentor de muchos. Es así: mitad artesano, mitad mago. Mitad carpintero, mitad artista. Mitad aprendiz, mitad estudioso. Un hombre de muchas mitades, pero 100% maestro, 100% curioso.” Toti Vollmer

Humberto Rivas: “en Latinoamérica hemos aprendido a hacer de todo, con este arte”, señala con una resignación muy satisfactoria

Por Alex Vallenilla

Nada como la magia de los títeres y marionetas de Humberto Rivas, para convertir a cualquier adulto en niño, cuando presenta en algún sitio abierto o cerrado, “El circo más pequeño del mundo”, un espectáculo, de un maestro de los juguetes, con un lenguaje universal, la música, y las peripecias de los leones, las cebras, los maromeros, los monos, el lanzador de fuegos, la cuerda floja, un payaso escalador y una colorida banda musical de madera.

Rivas convence de una vez, la banda de música hecha de madera, se mueve al compás del sonido del ambiente, propio de todo circo. El juguete implica mecanismos que mueven a los pequeños trompetistas y timbaleros de madera.

Pequeñas jaulas con animales en miniatura, diseñados por el juguetero y sus alumnos, forman una fila que muestra a niños y grandes, con una sonrisa marcada en sus caras, lo que a continuación se convierte en un episodio que lleva a todos a fusionar su imaginación con los juguetes, el trabajo histriónico de Rivas hace que todos ilusionen y vean un circo de verdad.

La delicadeza y finura de los diseños, la consabida combinación de colores, los notables contrastes y lo más importante, la mágica habilidad, con insondable maestría, de dar vida a juguetes, con el arte del titiritero, hacen de casi una hora, un momento en que las miradas y las sonrisas convierten en infante al más renegado.

Así empezó

Rivas de 51 años, aprendió este noble y particular oficio con el argentino y maestro titiritero Javier Villafañe. Éste llegó a Mérida, cuando Rivas apenas tenía 12 años. El argentino en un trabajo de investigación, hizo una recopilación de cuentos para niños, relatados por estos y publicó una obra titulada “Los cuentos que me contaron”.

“Se produjo un movimiento de titiriteros, Villafañe logró impregnar a todos, en los campos encontró un cuento, “La gallina que se volvió serpiente” y “Los cuentos de Oliva Torres”, luego, con Paulino Durán hicieron la ruta del Quijote en España, a partir de entonces, supe que debía hacer títeres y marionetas para el resto de mi vida”, cuenta el artista.

Su primer muñeco se llamó “Perico el tonto”, luego tuvo que investigar mucho para diseñar escenografías y utilerías, así como la creación de historias. Junto a ese proceso tuvo que dominar oficios como la carpintería y el tornado de madera, todo ello para construir su propio teatro de marionetas.

“Villafañe nos ayudó a instalar las salas estables, surgieron en las universidades, el Cantalicio de la UCV, el de la LUZ, que fue muy famoso con la pieza “Chimpetachampata” y nosotros que fuimos y somos los que damos vida al teatro de marionetas de la ULA, pero hoy hemos sido arrinconados, la experiencia no se ha renovado”, dijo con pesadumbre.

Rivas comenta que casi todos los titiriteros están jubilados, quedan algunos con bolsas de trabajo en los departamentos de cultura universitarios y ellos que se niegan a desaparecer; él y sus alumnos continúan su labor, sostenida con talleres de formación y los juguetes que venden, puesto que ha logrado convertir esa actividad en una forma de vida sustentable.

El circo

Cuando niño nunca podía ver un circo de verdad, sólo los que notaba en libros, la situación geográfica de su ciudad natal, Mérida, no permitía que llegaran las caravanas de cirqueros que montaban sus carpas en Barinas, “así encontré el motivo principal de mi teatro, al principio era de quince minutos, hoy ya es de una hora, se ha trabajado mucho, todos su movimientos están muy pulidos y precisados, así como la calidad de los juguetes”, dice.

Asegura que es un crítico, “los monitos dentro de la jaula yo los veo como América Latina, porque seguimos reafirmando nuestra postura política, los juguetes pueden darnos identificación y pueden enviar un mensaje que tenemos que seguir como hermanos latinos en la lucha, no es un panfleto, es la crítica, el movimiento cultural hoy tiene que tomar banderas por el calentamiento global, la contaminación y otros problemas”, señala Rivas.

El juguetero dice que Venezuela tiene enorme potencial, compara con Colombia, donde hay espectáculos de mucha calidad, “Bogotá tiene 7 millones de habitantes y tiene siete salas estables, en Mérida hay 800 mil habitantes y tenemos dos salas, no estamos mal en ese sentido, acá podemos crear mucho más”.

Su experiencia ha sido replicada en Colombia y en Caracas, incluso sus hijos, uno ingeniero y otro abogado, están construyendo sus propias versiones del circo, han logrado establecer un museo del títere, tienen 20 espectáculos distintos y una sala de expresión infantil.

TEXTOS Y FOTOS DE ALEX VALLENILLA EN :

http://foco-selectivo.blogspot.com/2010/06/un-circo-de-juguetes-convirtio-todos-en.html

Video Realizado por KLIK Productores C.A. y Zootropo Producciones. De la Serie, LAS MANOS DEL PUEBLO.

MÉRIDA - EDO. MÉRIDA
contacto:

Tienda: Av Las Americas, Sector San Juan Bautista calle 2 con Aquiles Nazoa, Casa Teatro Colibrí. Frente al Hospital Sor Juana Inés
Taller: San Jacinto, Sector Rincón Bajo, entrada a mano derecha. A 300 mts. del Conscripto.
Tlfs. : 0416 6521101/ 0416 9277923 / 0274 4170174 - 2449918

http://www.rinconartesanal.com/jugueteartecolibri/
http://venaventours.com/jugueteartecolibri/

MARIO CALDERÓN - MAESTRO JUGUETERO

2011-06-29T15:52:00.003-04:30

Mario Calderón
Tendedor de puentes

María Elisa Espinosa en http://www.eluniversal.com/estampas/anteriores/101206/encuentros2.shtml
¿Quién no lo ha escuchado mencionar al menos una vez en la vida cuando de juguetes se habla? ¿Cómo no reconocer sus carruseles, sus músicos, sus malabaristas y sus
submarinos amarillos? Mario Calderón ya es una marca registrada en Venezuela, aunque
no se malentienda lo que aquí se dice: en
realidad, las piezas de este músico y
juguetero, radicado en Mérida, terminan
siendo únicas para quien tiene la dicha de contar con ellas; pues en eso consiste
—o debería consistir— un juguete artesanal,
a diferencia de aquellos que se hacen uno detrás de otro y gracias al soporte de la gran industria. En ese quehacer a mano, cuidando cada detalle y creando historias que no se repitan demasiado, coincide Calderón con sus colegas, algunos de ellos sus propios maestros y muchos otros sus pupilos y seguidores. A propósito de esto, asegura no estar preocupado por el hecho de que en los últimos años le haya surgido competencia: “Siento que hay gente muy buena y muy importante en este noble oficio de hacer juguetes. Lo que sí podría decir es que yo serví de puente para abrir el espacio al juguete, para que fuera visto más allá de un objeto para entretener a un niño”. Inevitable, entonces, contar cómo fue que salieron los primeros maderos para armar ese camino hacia la reivindicación de la creatividad que se genera en el taller de un artesano, o cómo fue que las circunstancias llevaron a Mario Calderón a convertirse en una versión criolla de Gepetto.

“Yo tengo cerca de 25 años en esto, pero en el momento en que decidí ponerme a hacer juguetes no tenía ni idea de que iba a ser un hacedor de juguetes. Todo surgió a raíz de Pilar Cabrera, una pareja que tuve, con quien conocí en Rubio la tienda de Elisa Ostos, que resultó ser una mina de juguetes. Nos hicimos asiduos visitantes de esa tienda y en uno de esos viajes Pilar me planteó que nos pusiéramos a hacer juguetes de madera. Así empezamos, pero poco después ella muere en un accidente. Tras eso, decido que en lugar de llorarla, mejor era tratar de construir eso que habíamos soñado, y es cuando decido convertirme en un hacedor de juguetes”.

Así nació en 1990 el proyecto Juguetes del Pilar, que hoy se resume en su taller de confección de piezas artesanales, pero asimismo en La casa del juguete (con una exposición permanente de más de dos mil objetos que datan de 1890 hasta estos días), a lo que eventualmente se le unirá un taller-escuela como otro de los sueños que Calderón quisiera ver materializado algún día en su vida.

Ahora bien, lejos de lo que algunos pudieran pensar sobre la posición que este juguetero tiene con respecto a las piezas en serie surgidas de una moderna máquina, el artesano expone un muy particular punto de vista: “Creo que cuando cualquier persona recibe un juguete o cualquier regalo y ocurre el efecto sorpresa, entonces está cumplida la meta del objeto. Por eso yo no tengo ningún prurito con respecto al juguete industrial ni con la computadora. Nada de eso, creo que lo importante en este oficio es crear”. Claro que nadie negará la enorme satisfacción que pudo representar para este juguetero el día que supo que un pequeño había elegido para su lista del Niño Jesús una pieza nacida en su taller. “Puedo asegurar que esa es una de las experiencias más sublimes que he tenido como hacedor de juguetes”.

fotos cortesía : Nelson González Leal (Maracaibo, Edo. Zulia, 1965). Escritor, periodista y fotógrafo venezolano.
en --> http://signusphotosite.com/2010/03/14/los-juguetes-de-mario-calderon-os-brinquedos-do-mario-calderon/

vídeo de CIENCIACONTIGO, producido por PIMENTÓN FILMS

MÉRIDA - EDO. MÉRIDA

CONTACTO : "Juguetes del Pilar",

Calle 13 entre Av. 3 y 4, número 3 - 81

tlfs. 0274 - 252 9027

correo: juguetesdelpilar@yahoo.com

www.mariocalderon.com/

www.rinconartesanal.com/mariocalderon/index.php

www.venaventours.com/mariocalderon

Gabinetes culturales recibirán postulaciones de artistas para pensiones del Seguro Social

2011-05-28T10:47:00.000-04:30

En todo el territorio nacional

Prensa FCA (26.05.11) El Ministerio del Poder Popular para la Cultura a través de los Gabinetes Culturales de los 24 estados de la República Bolivariana de Venezuela y la Fundación Casa del Artista, insta a artistas, creadoras, creadores, cultoras y cultores a consignar sus documentos para ser incluidos en el Seguro Social.

Para poder disfrutar del beneficio de la pensión de vejez las mujeres mayores de 55 años y los hombres mayores de 60 que conforman el conglomerado artístico nacional deben llevar los siguientes documentos hasta el Gabinete Cultural de su estado de residencia o hasta la sede de la Fundación Casa del Artista:

Fotocopia de la cédula de identidad, ampliada y legible

Resumen curricular

Esta es la única documentación exigida por el Ministerio del Poder Popular para el Trabajo y Seguridad Social y son requisitos indispensables para la realización de dicha gestión.

Los teléfonos, correos y personas de contacto con los que pueden comunicarse en cada estado para consignar los documentos se listan a continuación:

Amazonas

Directora General: Kelly Pottella

Directora Operativa: Lelys Patiño

Teléfonos: 0248 5212057

gabinete.amazonas@ministeriodelacultura.gob.ve

Anzoátegui

Directora General: Giuditta Gasparini

Directora Operativa: Soraya Farias

Teléfonos: 0281 2760333 - 0281 2755243

gabinete.anzoategui@ministeriodelacultura.gob.ve

Apure

Director General: Adriana Ferrer

Director Operativo: Ernesto Colinas

gabinete.apure@ministeriodelacultura.gob.ve

Teléfonos: 0416 6367924 – 0424 5355245

Aragua

Directora General: Carmen V. Rodríguez

Director Operativo: Pedro Quintero

gabinete.aragua@ministeriodelacultura.gob.ve

Teléfonos: 0416 6367798 – 0416 9389196

Barinas

Directora General: Ana María Oviedo

Director Operativo: Hugo Rojas

gabinete.barinas@ministeriodelacultura.gob.ve

Teléfonos: 0273-5335922 – 0273 3236980

Bolívar

Directora General: Fanny Astudillo

Directora Operativa: Gabriela Alvarado

gabinete.bolivar@ministeriodelacultura.gob.ve

Teléfonos: 0416 6367796 – 0416 9389180

Carabobo

Directora General: Nathaly Bustamante

Directora Operativa: Melissa Guillén

gabinete.carabobo@ministeriodelacultura.gob.ve

Teléfonos: 0416 9389176 – 0412 6818065

Cojedes

Director General: Eduardo Mariño

Director Operativo: Jhony Figueroa

gabinete.cojedes@ministeriodelacultura.gob.ve

Teléfonos: 0416 6367795 – 0416 9389185

Delta Amacuro

Directora General: Berenice del Moral

Director Operativo: Alberto Colmenares

gabinete.deltamacuro@ministeriodelacultura.gob.ve

Teléfonos: 0287 7216851

Distrito Capital

Director General: Iván Ibarra

Directora Operativa: Alberta López

gabinete.dttocapital@ministeriodelacultura.gob.ve

Teléfonos: 0416 6367925 – 0416 9389181

Falcón

Director General: Merlín Rodríguez

Director Operativo: Jean Carlos Salero

gabinete.falcon@ministeriodelacultura.gob.ve

Teléfonos: 0416 6367792 – 0416 9389195

Guárico

Director General: Omar Vielma

Directora Operativa: Nurys Campos

gabinete.guarico@ministeriodelacultura.gob.ve

Teléfonos: 0246 4316758

Lara

Director General: Héctor Salas

Directora Operativa: Freddy Rodríguez

gabinete.lara@ministeriodelacultura.gob.ve

Teléfonos: 0416 6367793 - 0416 9389178

Mérida

Director General: Genrry Flores

Directora Operativa: Anny Lorena Gómez

gabinete.merida@ministeriodelacultura.gob.ve

Teléfonos: 0416 6367818 – 0416 9389192

Miranda

Director General: Jorge Rodríguez

Directora Operativa: Xiomara Cabrera

gabinete.miranda@ministeriodelacultura.gob.ve

Teléfonos: 0416 6367921 – 0416 9367266

Monagas

Director General: Nomar Oporte

Directora Operativa: Carolina Veracierta

gabinete.monagas@ministeriodelacultura.gob.ve

Teléfonos: 0416 6367819 – 0416 9389175

Nueva Esparta

Directora General: Inés Ruiz

Director Operativo: Yolanda Pérez

gabinete.nvaesparta@ministeriodelacultura.gob.ve

Teléfonos: 0426 9713768 – 0416 6368826

Portuguesa

Directora General: María Teresa Espinoza

Director Operativo: Carlos Morillo

gabinete.portuguesa@ministeriodelacultura.gob.ve

Teléfonos: 0416 6367816 - 0416 9389182

Sucre

Director General: Myriam Sesto

Directora Operativa: Douglas Hernández

gabinete.sucre@ministeriodelacultura.gob.ve

Teléfonos: 0416 9389155 – 0416 6367815

Táchira

Director General: Luis Pérez

Coordinadora de Relaciones Institucionales: Luis Fernando Claro

gabinete.tachira@ministeriodelacultura.gob.ve

Teléfonos: 0416 6367814 – 0416 9389184

Trujillo

Director General: Julio Borrome

Directora Operativa: Yolimar Delgado

gabinete.trujillo@ministeriodelacultura.gob.ve

Teléfonos: 0271 2441750 – 0272 6721289

Vargas

Director General: Alexis Cáceres

Director Opertativo: Alexis Rojas

gabinete.vargas@ministeriodelacultura.gob.ve

Teléfonos: 0416 9389177 – 0426 5198927

Yaracuy

Director General: Alexis Morey

Director Operativo: Luis Gallardo

gabinete.yaracuy@ministeriodelacultura.gob.ve

Teléfonos: 0254 2315943

Zulia

Director General: Jonathan Hernández

Director Operativo: Juan Carlos Quintino

gabinete.zulia@ministeriodelacultura.gob.ve

Teléfonos: 0416 6367812 – 0416 9389195

Para ampliar esta información sírvase comunicarse con la Coordinación de Comunicación y Relaciones Interinstitucionales de la Fundación Casa del Artista por el teléfono (0212) 576.1403, telefax (0212) 576.9747, visitar nuestra página web: www.casadelartista.gob.ve o a través del correo electrónico rel.instcasadelartista@gmail.com. También pueden encontrarnos en Facebook: Fundación Casa del Artista y Twitter: @casadelartista (Fin / María Alejandra Hernández H.)

tomado de -->

http://www.facebook.com/notes/fundaci%C3%B3n-casa-del-artista/gabinetes-culturales-recibir%C3%A1n-postulaciones-de-artistas-para-pensiones-del-segu/218318321521055

OMIRA LUGO - ARTISTA POPULAR

2011-05-04T11:43:00.002-04:30

“Mi descontento por las injusticias las expresan mis personajes, que soy yo misma”.

Pintora ingenua, nacida en Trujillo, el 15 de Junio de 1939, donde pasó su niñez y adolescencia. De niña confeccionaba sus muñecas de trapo y pelotas de barro forradas con tela para sus compañeros de juegos.

Participó en la formación y organización de corales, tanto en la ciudad de Trujillo como en Betijoque. Conjuntamente con su esposo funda un periódico con el nombre de “Cuatro Vientos”. Don Rafael Argüello con el escritor Pedro Avendaño Rodríguez se encargaban de la editorial, mientras que su esposa realizaba las entrevistas y los dibujos eran realizados por un muchacho del pueblo. El periódico duró ocho meses, ya que por su fuerte contenido de opinión y crítica social, el gobierno de turno en el pueblo les cerró los talleres y les quitó las máquinas.

Omira de Argüello, persona sencilla, espontánea y alegre, con una forma muy particular de ver el mundo y la sociedad que le rodea, tiene sueños en colores de pensamiento críticos y muy personales; los mismos son plasmados en sus pinturas con un nombre y significado propio.

Entre sus obras se destacan “Las Gochas”, en honor a la mujer trujillana: “Arando en la Mar ”, “ La Loca Luz Caraballo”, donde defiende a los enfermos mentales y critica a la sociedad por su maltrato para con ellos: “Cristóbal Colón”, donde se observa la barbarie contra nuestros indígenas y las riquezas extraídas de nuestra nación. En sus obras se observa y así lo afirma, su predilección por el desnudo, de igual forma la sonrisa es otro elemento común , por considerarlo como símbolo de la alegría.

Omira de Argüello, extraordinaria mujer con gran talento y lo más importante, mucho amor por su familia, por el pueblo y sus costumbres, con una sensibilidad humana, merece el mayor respeto y admiración como cultora popular y como persona. (Tiene 64 años).

Ha participado en seis de las Bienales de Arte Popular Salvador Valero, obteniendo importantes reconocimientos. En 1992 fue Premio en Pintura en la Bienal Bárbaro Rivas. El 09 de julio de 2004 fue galardonada con la Orden Salvador Valero creada por la Universidad de Los Andes en el año 2003, para reconocer la trayectoria artística. Hoy en día es una artista cuya obra se revela frente a las injusticias del hombre.

texto tomado de http://www.nurr.ula.ve/museosalvadorvalero/referencial_coleccion/L/lugo_1.htm

CONTACTO : Betijoque - Edo. Trujillo

tlf. 0271 - 6632605

Vídeo del Ministerio del Poder Popular para la Cultura - Instituto de las Artes de la Imagen y el Espacio. Producciòn y Conceptualizaciòn: Mercedes Longobardi. Fotografìas: Ivor Lugo. Logistica: Carolina Lorca/ Pedro Torrealba. Asistente de Campo: Peter Querales. Camarògrafo:Ruffo Contreras. Ediciòn: Alexander Oidobro.

"AGUA VIVA A MANO" - ruta artesanal

2011-04-20T14:35:00.000-04:30

"AGUA VIVA A MANO"

Es la unión de varios artesanos y posaderos

que desean promocionar esta esplendida

ruta Turístico-Artesanal del estado Lara.

Un espacio de vocación creadora, con innumerables atractivos,

dignos de ser conocidos dentro y fuera de Venezuela

ANTONIO PADRÓN - ARTISTA POPULAR

2011-04-09T15:55:00.001-04:30

EN "FABULADORES DEL COLOR" DE Mariano Díaz, 1988

en la Colección de Arte Popular Venezolano Oswaldo Mora Núñez

ver --> http://www.coleccionoswaldomora.com.ve/index.html

Antonio Padrón nació en Naguanagua, pero cuenta que desde la edad de 4 años se fue con su familia al pueblo de San Diego, donde reside desde hace 79 años.

¿Que significa la pintura para Usted?

- La verdad es que tiene varios significados, primero que nada es mi sustento económico, porque ahora lo que hago es pintar, antes hacía muchas cosas, pero ahora esto es lo único que hago y se puede decir que también es un hobbie, porque me produce diversión hacerlo, es sabroso ponerse a pintar cuando uno quiere.

¿Cómo descubre esa pasión por la pintura?

- Eso es algo histórico... desde pequeño me gustaba la pintura, pero nunca me había puesto a hacerlo como algo profesional, mi trabajo era el de Barbero, pero alrededor de 1971, cuando apareció la moda del pelo largo, empezaron a dejar de ir los muchachos y por supuesto empezó a disminuir la clientela, recuerdo que vi un almanaque con un paisaje muy bonito y me dije: "Conchale yo nunca he pintado un cuadro" y fue cuando me puse a copiarlo en la pared del salón, que tenía como unos tres metros, a l0s días salí a dibujar la misma calle esa, pero que nadie me viera, e hice varios cuadros, a mi manera, con los pocos conocimientos que tenía, porque yo nunca he estudiado pintura. Una vez un señor me vio pintando un cuadro y me dijo: "hazlo que te lo voy a comprar" y pasé el dibujo a una cartulina y lo monté en un cartón y le puse marco y todo, el señor lo instaló en un bar que tenía y de ahí aparecieron varios encargos, me pedían mucho que les dibujara las fachadas de sus casas.

¿Calles y fachadas son su fuerte en la pintura?

- Sí, pero yo también he hecho otras cosas, yo hacía unos "bichos" para el Carnaval, que originalmente los llamaban "los enanos", pero eran unos "bichos" estrambóticos, más bien gigantes, ahora los bautizaron como los cabezones. En un caranaval estuvieron por aquí la gente de INCIBA, que ahora se le conoce como el CONAC, vieron los cuadros, les gustaron y llegaron hasta mí, uno de ellos me compró dos de los cuadros. Años mas tarde los presentó en una exposición en el Planetario Humbolt y uno de ellos hizó un tercer lugar.

Este importante pintor carabobeño ha expresado, a través su arte, las actividades más autoctonas de nuestro país, ya que en ella se ven reflejado los populares Toros Coleados, Peleas de Gallo, Partidas de Dominó, Bolas Criollas... "Esas son las vivencias de venezolano, ese es el día a día de la gente del pueblo"

¿Cuáles son los materiales que utiliza?

- Cuando yo comencé a pintar ni siquiera conocía el oleo, pintaba con otros materiales, sin ningún conocimiento técnico y después que tuve como dos años pintando con pinturas rudimentarias conocí el oleo, lo vi en una librería y compre un par de tuvos, pero no sabía con qué se diluía y fue muy comico porque alguien me dijo que se diluía con esencia de cambur y yo se lo puse y eso se volvió una pelota, fue cuando se me ocurrió usar el aceite de linaza y me fue muy bien, también quise trabajar con acuarelas pero creo que no tenía la destreza para eso, pero poco a poco fue metiéndome con todo eso y conociendo técnicas, perspectiva, esos son los conocimientos.

ENTREVISTA DE LOURDES BOLAÑOS

EN OCASIÓN DEL HOMENAJE A ANTONIO PADRÓN REALIZADO POR LA DIRECCIÓN DE CULTURA DE LA UNIVERSIDAD DE CARABOBO - DICIEMBRE DE 2000

VER ---> http://www.tiempo.uc.edu.ve/Tu322/Contenido/generales/cultura/cultura.html

ANTONIO JOSÉ FERNÁNDEZ ,"El hombre del anillo" - ARTISTA POPULAR

2011-03-29T12:52:00.002-04:30

EN "FABULADORES DEL COLOR" DE MARIANO DÍAZ, 1988

A. J. Fernández, "El hombre del anillo": la magnífica y atroz bizarría del imaginario trujillano

Josefa Zambrano Espinosa

Para Carlos Yusti y Rafael Rattia, por el dominio del arte
de "tender un extraño puente entre el mundo
de las imágenes y el de los conceptos".
"Ah, qué difícil es separarnos de aquello
que hemos hecho, sea cosa o sueño,
incluso cuando lo hemos destruido con nuestras propias manos".
José Saramago, La Caverna

Entre polvo y herrumbre la calle busca el infinito en medio de las arboledas, el calor y la luz del sol de los araguatos. La casa de paredes desconchadas, puerta de aldaba grande y tranca de algarrobo, pinta de sepia mi memoria.

Un "Ritorna vincitor" —a todo volumen— castigado por una aguja sucia que se arrastra sobre el acetato, impide al único habitante de la casa escuchar mi llamado; cuando por fin lo hace, tengo ante mí a "El Hombre del Anillo".

Desnudo de la cintura para arriba, cara de rasgos faunescos y con el enorme anillo de piedra en el anular de la mano derecha, Antonio José Fernández (1), "El Hombre del Anillo", me preguntó con recelo:

—¿Quién es y qué es lo que desea?

—Buenas tardes, señor Fernández. Soy Josefa Zambrano, he visto su obra y quise venir a conocerlo—, le respondí sin demostrar el temor que me inspiraba.

Respuesta que a lo mejor le gustó porque, mientras limpiaba una silla para ofrecerme asiento, comenzó a contarme: "No me gustan los intrusos ni los averiguadores, ¿sabe? En días pasados vino una periodista de Caracas y tuvo la falta de respeto de preguntarme en qué gastaba los cobres. No le respondí sino que agarré aquel machete, lo rastrillé en el suelo y le dije que no teníamos más nada de qué hablar. Se fue enseguida. Igualmente, todos aquí me tiran piedras en el techo porque me gusta escuchar la opera, Verdi. Usted lo conoce, ¿no? ¡Ah!, pero yo sí tengo que escuchar a juro sus radios y vulgaridades".

Los cuadros terminados están sobre la mesa, mientras los recién pintados se secan alineados en el piso. En el patio enormes formas de cemento esperan por las palabras, las manos y la pintura del demiurgo para transformarse en policromos seres. Bajo un árbol de mamón los gatos reposan, se lamen, juegan, mueven sus colas y lanzan zarpazos; además, son tantos como las gallinas que se ven al fondo tras la malla de alambre.

Mis ojos recorren con avidez todo lo que me va mostrando: "Esas dos esculturas tamaño natural me las encargó doña Anita (2), la dueña de la "Sala Ocre" de Caracas, y a estos cuadros los mandará a buscar doña Sofía (3), la del museo.

"¿Usted las conoce? No me gustan las culebras, por eso tengo los gaticos y las gallinas. Ese que ve allá es muy bonito, pero nació sin cola". Trato de seguirlo, mas sin querer mis ojos se detienen sobre las hojas y cartulinas escritas que tapizan las paredes de la sala.

—Perdone, señor Fernández. ¿Podría leer algunos de los escritos pegados en la pared?

Fue esta pregunta la que en una tarde de 1977 me permitió descubrir los poemas, reflexiones, cuentos y fábulas originales de Antonio José Fernández.

Constatar que él, como ya lo había dicho Juan Calzadilla, "es un caso excepcional no sólo por ser el primer escultor ingenuo, sino también por el dominio con que sabe expresarse en diferentes medios: la madera, el cemento, los colores, la piedra"; materiales a los cuales, a partir de ese momento, podían añadirse el lápiz y el papel.

"En efecto —escribe el crítico Francisco Da Antonio en el prólogo A. J. Fernández,El Hombre del Anillo. Poesía, Reflexiones, Cuentos (4)—, cubriendo los muros de su casa en Carvajal, allá en Valera, ‘los papeles’ de Fernández permanecieron semiolvidados en la penumbra de las viejas paredes, sin que ninguna mano se atreviera a develar el secreto de aquellos signos milagrosamente preservados a lo largo del tiempo que media entre 1970 y nuestros días. Serían la devoción y la persistencia de Josefa Zambrano Espinosa, joven abogada trujillana, quien no sólo se dedicó a transcribir amorosamente el testimonio del pensamiento escrito del artista, sino quien con idéntica pasión, diseñó y puso en marcha el proyecto que ahora culmina con la edición de este trabajo".

"No hubiese sido completo —continúa Da Antonio—, empero, si en mérito de tan importante hallazgo, hubiésemos pasado por alto la significación plástica de Fernández en el ámbito de la expresión ingenua de nuestro país y, en particular, las secuencias que enmarcan su incorporación definitiva a esa historia en cuyo punto de arranque situamos la entrevista que realizara en 1965, entre el bullicio del mercado valerano, el Dr. Carlos Contramaestre a quien debemos no sólo la presencia actuante del Hombre del Anillo, sino también la promoción y consolidación de su firma".

Efectivamente, en 1964 Carlos Contramaestre, su descubridor, lo encuentra en aquel puesto de vendedor de frutas y verduras, y, en medio del alboroto del mercado de Valera y la atención que le dispensaba a los clientes, realiza la famosa entrevista a que se refiere Da Antonio, la cual infelizmente no pudo ser reproducida en elvernissage de su primera exposición en la galería "El Techo de la Ballena" de Caracas, el 14 de noviembre de 1965. En ella Fernández, aunque manifiesta no recordar en ese momento ninguna de sus obras en prosa, reafirma su inclinación por la poesía: "No soy lo que llaman un declamador. Sí, he escrito unos versos que llevan por título ‘El pensamiento humano’, o sea, el pensamiento que me viene a la memoria, muchas veces en la noche y en el día. No tengo hora para la inspiración".

Y a la pregunta de Contramaestre: "¿Tienes impedimento en recitarme uno de tus versos, aunque sean tres cositas para el público que hoy llena esta galería, este gran mercado que podría ser "El Techo de la Ballena?". Respondió: "Voy a recitar unos cortos versos que doy por título (no sé si estoy equivocado) ‘Llanto y lamento’: Los llantos y lamentos no despiertan a los muertos/ de su eterno y profundo sueño, / porque todo en este mundo/ no es más que la fantasía y el engaño/ en que vivimos los seres humanos".

Mucho antes, el 25 de julio de 1958, el diario "El Nacional" de Caracas, publicó: "Un escultor ingenuo, autodidacta e intuitivo descubren en Valera. Es vendedor ambulante, aplica inyecciones, escribe poesías y ahora se le ocurrió modelar estatuas en cemento". En esa crónica se decía que, según Antonio José Fernández, sus esculturas y poemas eran "obras del capricho" porque se había inspirado "en una ocurrencia que vino a su mente una tarde crepuscular".

Ha pasado mucho tiempo desde que se editó parte del "importante hallazgo" de que habla Da Antonio. Sin embargo, aún en 1998 Juan Calzadilla en su ensayoBiografía en breve de un artista verdadero (5), hace referencia a los "extensos poemas que mantiene inéditos" en su casa de Carvajal, estado Trujillo, este artista galardonado en 1997 con el Premio Nacional de Arte Popular "Aquiles Nazoa", y cuya obra, además de haber sido expuesta en las más importantes galerías y museos de Caracas, ha sido objeto de puja en la "Sala Mendoza" —la pionera de las subastas venezolanas— y de gancho en la de la galería de arte "Odalys".

Pero mayor cantidad de años ha transcurrido desde el aciago día en que estuvo a punto de ser entregado a la policía por haber realizado su primera escultura: "Mi primera escultura —cuenta El Hombre del Anillo— fue un muñeco de barro que hice a los quince años. El muñeco tenía una cara larguirucha como la mía. Un señor que era hacendado en Juan Díaz, llamado don Salomón, me quiso llevar a la policía porque, según la gente, había quedado muy parecido a él. Quizá no lo hizo por consideración a mi padre que trabajaba en su hacienda como albañil".

Del infausto momento cuando, acorralado y enloquecido por las rechiflas de sus vecinos vendedores del mercado valerano, destruyó a martillazos toda su obra plástica para no continuar viéndola convertida en el hazmerreír de sus paisanos.

Del humillante rechazo que recibió de los profesores del liceo de Valera, quienes, por ignorancia y falta de sensibilidad, no sólo se negaron a aceptar la bondadosa donación de una de sus esculturas sino que se burlaron de él y su obra, diciéndole: "¿Cómo se le ocurrió hacer una cosa así tan fea? Usted, está loco si cree que vamos a exponer en el liceo ese adefesio". Palabras y risas que le obligaron a tomar las decisiones de destruir nuevamente su obra, de no volver a esculpir y de retomar su puesto de vendedor de frutas y verduras en el mercado.

Afortunadamente para el arte, Fernández contó con el apoyo y el estímulo que siempre le brindó Salvador Valero, el otro gran pintor trujillano.

Valero, el "Último Imaginero" según Contramaestre, le aconsejó que nunca debía hacerle caso a los que despreciaban su obra; por el contrario, debía dejar "que la bestia ruja" y, desde luego, esperar por su descubridor. De ahí que le escribiera (6):

" (...) Paso a decirle que me mueve hacerle esta carta con el fin de recordarle lo que hace tiempo le dije sobre sus trabajos de pintura y escultura que ud. en mala hora ha destruido y aun intenta destruir guiado unicamente por el desaliento que ha cundido en su animo por causa del desprecio que unos pocos espiritus ciegos han hecho de sus obras (...) Le aseguro que esos con todo su barbarismo no pueden penetrar en lo hondo de nuestros espíritus para arrancar lo poco que ellos contengan de eso que para nosotros es algo de divino encantamiento que sale a la luz física como un mensaje de formas y colores venido del más allá y de lo sutil".

"De modo que mi apreciado amigo Fernández la digo a ud. y le repito esta misma sugerencia aprovechando la agradable noticia que he tenido o que me ha llegado de que nuestro buen amigo el doctor Contramaestre en buena hora lo ha descubierto a ud. al tener esta tan grata noticia he supuesto que su animo en su apocamiento y desastroso decaimiento en que lo dejo postrado el desprecio que hizo de sus obras un minúsculo numero de espiritu velado hoy debe estar reaccionando. alentado y fortalecido ante la presencia de ese arqueologo espiritual para su bien a desenterrado sus obras".

"En tiempos pasados le aconsejé yo para que no se dejara guiar por el desanimo y desaliento que el dia llegaria en que sus obras serian apreciadas por personas poseidas de sensibles y claros espíritus, de modo que mi amigo Fernández hoy que piso ud ese primer escalón procure subir otro y otro. suba con sus piedras. con sus tablas. con sus cartones y con sus lienzos y desde lo alto no volverá a ver a quienes lo despreciaron en su obra".

Ascenso que, como un reto, comenzó a partir de 1968, según lo testimonia Contramaestre: "Inmediatamente de su exposición caraqueña aparecieron tres letras rojas en su casa: AJF. Iniciales que significaban un reto abierto a la mediocridad, una toma de conciencia en un medio hostil, la viva respiración de un hombre que estaba medio muerto. Ahora A. J. F. era el Hombre del Anillo. No era más el verdulero. Con la venta de frutas en el mercado de Valera se había echado muchas cuentas encima, prefirió abandonar su antiguo oficio.

Porque ya la escultura era su camino definitivo, no era una forma más de emplear los ratos de ocio, tampoco era una forma de provocar o incitar un diálogo inútil con el público local; como cuando ensayó llevando al mercado local un trabajo suyo ‘un trabajo fúnebre, un ángel’, para que lo vieran. Ahora se sentía valorado plenamente, poco importaban las burlas, los desaires. Sabía que una batalla había comenzado, le animaba un solo deseo: avanzar. Una nueva energía se había apoderado de él".

Energía creadora, infatigable, que le ha permitido develar los arcanos de la palabra, la madera, el cemento, el óleo industrial, la cabilla, al tiempo que continúa, como también dijo Contramaestre, "cultivando las virtudes curativas de la Flor de Paraíso, protegido por su descomunal talismán".

Dos años después, en 1970, comienza a escribir esos "pensamientos que le vienen a la memoria" y a empapelar metódicamente con ellos las paredes de su casa. Puede hacerlo gracias al éxito de sus dos primeras exposiciones, las cuales le permitieron abandonar su puesto de vendedor en el mercado de Valera y dedicarse exclusivamente a la escultura y la pintura; por lo tanto, ya no tiene necesidad de usar "los papeles, aunque estuvieran escritos," para envolver las verduras que llevarían los clientes a las cocinas de sus hogares.

Son estos mismos "papeles" los que transcribí —guardando la ortografía y sintaxis originales— y ordené, de acuerdo a su tema y forma de expresión literaria, en poemas, reflexiones, fábulas y cuentos, de los cuales seleccioné e incluyo aquí a título ilustrativo in extenso o en fragmentos.

POESÍA

La poesía está presente en todos y cada uno de sus actos, pues en Fernández la soledad cotidiana compartida con sus gatos y gallinas se trasforma en la soledad generadora de una obra, tanto plástica como literaria, que no es otra cosa sino, como dice García Montero, "dos soledades juntas y una manera noble de contarnos la vida".

Vida de la cual, con espontaneidad y belleza, trata de develar sus más entrañables misterios; de aprehender todo el vigor que le es posible, para así, imprimir al universo creado por él el soplo mágico, onírico, delirante de su hacer y decir.

Signada por un estilo absolutamente ajeno a las academias, la creación de Fernández es un pensar y un sentir que se imponen a las circunstancias y al medio, pues, "forzosamente autodidacta —como lo expresa Calzadilla— crea por impulso, y su gran memoria visual le permite suplir sus carencias técnicas con una gran dosis de encanto y fantasía".

De ahí que su fuerza esté en su absoluta libertad de creación, en su visión interior colmada de imágenes y colores, en la posibilidad de expresar sus sentimientos y puntos de vista; pero sobre todo, en ese "no ponerse a salvo de sufrir la inacabable persecución" de que habla María Zambrano.

Así, en un texto escrito el 5 de marzo de 1978 dice:

"No temo a la Hoscuridád porque de ella vengo y para ella buelbo; y nuestras ydeás probienen de la Hoscuridád (...) Y el Motor de la vida está dentro de esa Hoscuridád por eso Llo no la desprecio porque seria temer de si mismo".

¿Acaso no se está en presencia de t o a p e i r o n de que habla Anaximandro? ¿Es que acaso no todo proviene y retorna al innombrable ilimitado, origen y fin de todas las cosas? Fondo tenebroso que todo lo contiene e iguala en lo más recóndito de su infinitud. Oscuridad que evoca a las sombras abisales del caos, de la nada, pero que, gracias a su aliento de hacedor, trasforma en luz e imagen, en verbo que nombra y crea, pues, en definitiva, el apeiron de Anaximandro no es otra cosa que lo "sagrado a revelar", como bien lo expresa, una vez más, María Zambrano.

En otro texto de fecha desconocida, íntimamente relacionado y titulado "La Fuente Seca", escribe: "O de aquella fuente que un tiempo existió pero hoy de esa fuente sólo queda tristeza y nostalgias al verla con esos profundos y misteriosos pozos secos; como pareciendo más bien sepulturas, que al ser humano causa amarguras(...) y ya esa fuente no puede dar agua al viajero ardiente, ya no oimos su sonido; porque sólo olvidada ha quedado y asi la vemos seca misteriosa como una fosa de un camposanto y hoy nos dá espanto de ver sus profundos vacios".

Fernández logra asociar nuevamente a los contrarios: vida y muerte, alegría y tristeza, ardor y frescura, humedad y sequía.

Para un hombre que "cultiva las propiedades curativas de la Flor de Paraíso" y que ha hecho suyos los poderes apotropaicos de una piedra de río transformada en anillo, no pueden ser extrañas las virtudes de la fuente que, junto al Díctamo Real, nace y se esconde en las montañas, esperando por aquellos que anhelan saciar en ella su humana y ardiente sed de juventud y sapiencia. Mas para nuestro infortunio, la fuente de la vida, al igual que la planta, ha perdido su mágico poder y se ha transformado en pozo Airón de donde nada fluye, salvo silencio, vacío y muerte.

Igualmente, en un largo poema también de fecha desconocida y titulado "Noche De Tormento", Fernández se pregunta: ¿Es acaso esta noche tan tormentosa y angustiosa, como acaso es la fosa hoscura?

Angustia existencial que recurrentemente le induce a asociar la oscuridad con la muerte, pues la Noche, como él lo ha intuido, es hija del Caos y madre del Cielo y la Tierra, y por lo tanto viene a ser la generadora y recipiente no solo de sus incertidumbres sino también de sus delirios y dolores:

"¡Oh ruidos extraños, / no atormentes más mis vidas. / Oh, noche de tormento y lamento/ no me perturbes más aunque esté despierto,/ dejadme ya mi cuerpo quieto/ no me atormentes más mi herida/ dejad quieta ya mi vida,/ cesad ya tu cruel tempestad, / tened de mi piedad (...)" ; de sus ensoñaciones: "Ay, noche tempestuosa,/ no seáis tan odiosa/ no agites tanto las olas del mar,/ déjame mirar del jardín/ las bellas flores/ y contemplar de ellas sus colores. Dejad que las lindas mariposas/ -tan hermosas- / se acerquen a mi lado, / aunque yo solo sea un árbol talado (...)"; de sus temores: "Dejad que mis ojos sean de la tarde sus despojos, / ya no causes en mi tanta amargura/ no seas tan hoscura. / Quitad de mí tu manto/ lleno de espanto, / y tan hoscuro, /Pareces el muro fuerte del cataclismo/ que quiere convertir todo en lodo (...)"

y, desde luego, de las traiciones de que ha sido víctima: "y luego despertar y recordar con mi ilusión, /a aquella infiel/ que para mí fue la hiel por su traición".

Este poema es fundamental para descifrar la atormentada temática de su obra plástica, vinculada reiteradamente con la figura de la mujer, los celajes y sombras, el fuego, las mariposas y el bullicio.

La mujer, uno de sus temas favoritos, no siempre ha sido la imagen de alegre colorido que aparece en el retablo "Luz en el camino" (1980) o en las humildes campesinas vendedoras de flores, frutas y gallinas de sus esculturas de esa misma época, sino que por el contrario, "el tema de la mujer, como expresa Da Antonio, aparece como una constante, como el centro de gravedad de su creativa.

En Fernández deviene frecuentemente en obsesión prohibida (...)".

Otro tema estrechamente relacionado con el anterior es el de las mariposas.

Aunque objeto de sus ensoñaciones, para él las mariposas son el símbolo de la veleidad; de la belleza y alegría fugaces que se consumen en la llama. Así, "en el desarrollo del ‘Tríptico de las Mariposas’ (1969) —expresa Da Antonio—, el proceso parece conducir de lo referencial en el ‘Jardín de las Mariposas’ y aún, si se quiere, en ‘Mariposas de un Recuerdo’, a las tensiones de lo expresivo en "Sombras de Tormenta". Este último panel podría insertarse en el ámbito de una obra que Fernández ni tan siquiera conoce, la pintura de Willem de Kooning".

REFLEXIONES

Dentro de sus Reflexiones existe un texto titulado "Sombras del olvido", en el cual expone y analiza la condición indeseable en que se encuentran muchos ciudadanos tanto dentro de su comunidad como fuera de ella. Situación inaceptable por ser Venezuela un país con una altísima renta petrolera, pero agobiado por la ignorancia y la pobreza que, gracias a la incapacidad, negligencia y corrupción de los gobernantes, padecen sus pobladores.

Fernández, el artista que ha soportado el desprecio y la incomprensión de la comunidad donde le ha tocado vivir y crear, es el mismo hombre que observa, analiza y con sensibilidad social, en fecha 15 de diciembre de 1975 escribe:

"Deambulan por las calles de nuestra patria muchos seres humanos que andan a la voluntad del Señor, esperando que una mano generosa les dé un mendrugo de pan o una limosna para saciar su necesidad.

Muchos de éstos seres están olvidados de sus familias, los cuales a veces son pudientes pero por pretensiones se olvidan de ellos, que nacieron con defectos físicos ó mentales.Otros es porque son gente de pocos recursos económicos y no pueden ver de ese ser que deambula por la calle solicitando una limosna.Otros porque no tienen trabajo, no consiguen dónde ganarse el sustento del día y por último, los que por ciertas circunstancias o por sinvergüenzas se tiran al abandono por decepciones recibidas y se entregan al vicio, y hoy en día ya están alcohólicos.Muchos seres que deambulan por las calles de nuestra patria, presentan malos espectáculos ante el público, sus carnes, sus úlceras, su miseria física y moral, así los vi yo en los alrededores del Mercado Municipal de la Roma Trujillana, ya. que dicen que Valera es la Ciudad de las 7 Colinas, así dicho Mercado parece más un Manicomio que un Mercado.Estos seres no tienen la culpa y como ellos hay miles que andan por las calles de nuestra Patria, esperando la ayuda asistencial, pero para que esto suceda habrá que ofrecerle una promesa a la Virgen de los Milagros, y eso que nuestro país es uno de esos en los cuales se habla a cada rato a través de los medios de comunicación (por Radio, los periódicos), de los millones de millones para asistencia social, miles de millones para educación.

Yo pregunto ¿qué se harán esos millones? pues muchas personas van al Hospital a buscar asistencia y no los atienden y sí es nuestros niños, muchos no estudian porque en las escuelas no hay cupo, porque sus padres están sin trabajo y no tienen para saciarles el hambre, mucho menos para comprar los útiles escolares.

Pero en nuestro país se gastan miles de millones en hacer conferencias y en hacer agasajos y en paseos dizque a ir a estudiar las tecnificaciones de otros países, pero todo parece más bien que sirve para llenar las arcas de los Bancos Internacionales, por tanto mientras esto se hace, se debería mejor ayudar a la nueva juventud, los niños de hoy, los hombres del mañana, la nueva generación, creando bastantes centros de estudios, agricultura y ganadería, enseñándoles de acuerdo a lo que cada niño aprender.

También los miles de alcohólicos y pordioseros debieran ser atendidos

en centros asistenciales bien equipados porque para eso nuestro petroleo produce muchos millones de barriles y ahora, que cada venezolano tiene derecho a unos cuantos barriles de petróleo porque para eso fue nacionalizado, mayor razón tendré yo y ojalá que todo lo dicho se cumpla y hay que ir a ese te vez, ofrecerle una promesa a la Virgen de los Milagros".

Texto palpitante —explicativo por sí mismo— que en su lúcida vigencia expone descarnadamente los infortunios de un pueblo cuyas esperanzas siempre fueron y son victimadas por la violencia de la demagogia oficial.

MORALEJAS

En sus Moralejas se nota la influencia que ha sembrado en él la lectura de las Sagradas Escrituras, en especial la del Libro de los Proverbios: "Dejad que la tempestad venga y agite los árboles,/ porque así morirán los malos gorgojos./ No eches leña al fuego,/ no critiques la vida ajena, no combatas la injusticia con la injusticia, no combatas la violencia con la violencia. Usa siempre la fuerza intelectual y no uses es la fuerza bruta, porque es la fuerza de los cobardes".

Fernández no se ha contentado con los consejos de Salvador Valero sino que también ha hecho suyas las sentencias de Salomón. Ya no es el hombre desesperado y humillado que destruye lo que él mismo ha creado; por el contrario, ahora sabe que la intemperancia no es la mejor arma para combatir la tempestuosa y "torpe crítica de los que nada saben de arte". Sabe que un demiurgo —y él lo es— es el fundamento del universo que crea, por eso primero pone orden en sí mismo y luego organiza el mundo circundante. Ha aprendido que "Después del bullicio viene el hastío/ y después de las alegrías/ Vendrán las tristezas/ Y el arrepentimiento", de ahí que deba "ajar su vanidad", situarse más allá de los contrarios y crear esa unidad que trasciende el tiempo: la obra de arte.

FÁBULAS

Así como los imagineros del siglo XIII se inspiraban en las fabliaux para esculpir los medallones y los relieves satíricos de las sillerías del coro de las grandes catedrales europeas, sus fábulas recuerdan las antiguas fabliellas que forman parte de la tradición oral del campesinado trujillano.

En las zonas rurales trujillanas donde el analfabetismo alcanza cifras alarmantes, la mayor parte de las consejas, leyendas, oraciones, ritos agrícolas, costumbres familiares y locales se hacen a través de la tradición oral. De ello se encargan los de mayor edad, con gracia para contar y memoria para recordar, y como cultura e instrucción no son términos idénticos, estos depositarios del saber oral, según dice Juan Goytisolo, pueden ser y a veces son más cultos que algunos de sus paisanos que han tenido acceso a la educación formal.

Fernández elabora sus fábulas con lo que ha visto, leído u oído. Como es tradicional, sus personajes son animales, y basándose en hechos que han acontecido en su medio o que ha conocido a través de la radio, los periódicos u otras personas, desarrolla una historia de la cual se deduce una moraleja que sirve de enseñanza.

Así Fernández, como Florián, narra con mucha gracia la historia del Gato y los Ratones:

"Una vez dos ratones hambrientos encontraron un pedazo de queso, uno de los dos que era un poco "agalludo" y quería todo el queso le tocara para el solo.

Así entre ambos se formó una acalorada discusión y estando liados en la misma, se apareció un gato, el cual también lleno de hambre se les abalanzó encima con sus garras y los devoró.

Cuando el gato estaba terminando de Comerse los dos ratones, apareció un ratoncito muy chiquito, quién lleno de orgullo y alegre porque se encontró el queso que los otros habían dejado, piensa para sí:

— Que felicidad es la "Papa limpia", nadie sabe para quién trabaja, ojalá sigan dejando queso. En fin los quesos no se acaban y el que diga que no deja quesos es un tonto.

Ahora el gato que ya había terminado de Comerse los dos ratones se dice también a si mismo:

— He debido comerme el queso, pero no hay que ser tan avariento, además, si no hubiese dejado ese pedacito de queso, ese ratoncito no hubiese llegado y, esa es una presa que tengo para más tarde y hay que dejar algo para el mañana y así se colabora con todos los que le gusta dejar sus quesos.

El ratoncito al oír esas palabras, dice:

— Ey gato tonto. No me comiste.

A lo que respondió el gato, estas palabras:

— Ratón tonto, no te alegres mucho porque lo que no te pasó hoy te puede pasar mañana y no te alegres por lo que les pasa a los demás. No hay que echarle basura a la fuente seca, ni el que se encuentra en las alturas se debe burlar de los demás, porque a veces las tempestades llegan de un lado y a veces de otro".

Es decir, que nunca se debe menospreciar, subestimar al otro... ¿ Y quién mejor para saberlo que El Hombre del Anillo?

CUENTOS

Como es bien conocido, Fernández durante el tiempo que prestó el servicio militar trabajó como enfermero y ayudante de obstetras, de ahí sus "Cuentos de Médicos" y la serie de obras que denominó "Los paritorios" acogida en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, y sobre la cual Juan Calzadilla expresa: "Pensaba en los colores brillantes, el amarillo y el rojo gritaban en la tabla el sufrimiento de las parturientas. Tanto como el pánico en el grito de Munch".

Aunque estos cuentos gozan de mucha popularidad entre los habitantes de la zona montañosa trujillana, a tal punto que Oscar Sambrano Urdaneta en su libroEl Arcángel ha escrito magistralmente uno titulado "La dieta" (7), los de Fernández recrean y satirizan con mucho humor la actividad de estos profesionales que ha conocido muy cercanamente.

Con agudeza y mordacidad, Fernández narra la inhumana, mecánica y despreciativa manera como los médicos tratan a sus humildes, pero ingeniosos y vengativos pacientes. Así, entre otros, el 26 de diciembre de 1976, cuenta:

"Una vez un Señor que sufría de puntadas reumáticas . y a la vez había sufrido un accidente en el cual había perdido la pierna izquierda, teniendo la necesidad de adaptarse una de caucho, llega a una Clínica y en el consultorio sorprende al encontrar al Médico colocándose en medio de las pestañas una enorme bola de cristal, pues este Señor también había sufrido un accidente en el cual había perdido un ojo.

— Buenos días, Doctor.

— Buenos dias. ¿En qué puedo servirle?

— Yo vengo aquí para que usted me recete un remedio para el reumatismo.

— Bien, usted lo que tiene que hacer es tomarse un depurativo y darse unas unciones de "coneciervo" y ponerse paños de gasolina caliente en la pierna izquierda.

— No sabe usted, Doctor, que ésta pierna es de caucho y si me pongo gasolina caliente se me quema. Esto me lo recetó usted porque no me había examinado bien ¿Verdad? Bueno así lo haré, pero usted, Señor Doctor, se busca una mandarria y se dá unos golpes en el ojo de vidrio.

Como ha podido apreciarse, la ingenua escritura de Fernández capta y recrea el imaginario e idiosincrasia de un pueblo que ha sabido levantar de sus miserias la grandeza; de ahí que su creación —tanto plástica como literaria— trascienda el oficial etiquetamiento de arte popular, pues, como dice George Sand, "encierra una bizarría que parece atroz, y que, por el contrario, es magnífica".

NOTAS:
(1) Artista ingenuo natural del estado Trujillo, Venezuela, donde ha vivido desde su nacimiento en fecha 08 de septiembre de 1922, según se desprende de su partida de nacimiento que reza así:
PARTIDA DE NACIMIENTO DE ANTONIO JOSE FERNANDEZ
N° 203. -Francisco Ygnacio Viloria, Jefe Civil del Municipio Capital del Distrito Escuque. hago constar que hoy once de agosto de mil novecientos veintitrés, me ha sido presentado un niño por el ciudadano ROMAN FERNANDEZ, vecino. casado, de treinta y seis años de edad. agricultor: y manifestó: que el niño cuya presentación hace nació en esta ciudad el OCHO DE SEPTEMBRE DEL AÑO PROXIMO PASADO a la una a.m. y que lleva por nombre ANTONIO JOSE. -Que es hijo legitimo suyo y de ANA FRANCO. vecina. casada de veintitrés años de edad y de oficios de su sexo. -Fueron testigos del presente acto los ciudadanos: Luis Baptista y Trino Moreno, vecinos de este domicilio y mayores de edad. -Se les leyó esta acta fueron conformes y no firman por no saber.
FRANCISCO Y. VILORIA A. SANCHEZ ENRRIQUEZ
SecretarioTexto documental que incluyo para aclarar la confusión que sobre su fecha de nacimiento leí en El invierno revuelto en las costillas de Fracismar Ramírez Barreto, entrevista publicada el 26 de agosto de 2000 en el suplemento “Papel Literario” del diario “El Nacional” de Caracas.
(2) Ana Avalos de Rángel, exgalerista e importante coleccionista de obras de arte.
(3) Sofía Imber, fundadora y exdirectora del Museo de Arte Contemporáneo de Caracas.
(4) Fernández, A. J. El Hombre del Anillo. Poesía, Reflexiones, Cuentos. Imprenta Oficial del Estado Trujillo. Valera, Edo. Trujillo, Venezuela, 1977.
(5) Calzadilla, Juan. Biografía en breve de un artista verdadero. “Papel Literario” del diario “El Nacional”, Caracas, 09 de agosto de 1998.
(6) Carta sin fecha escrita por Salvador Valero a Antonio José Fernández, la cual guarda íntima relación con otra que escribe Valero al doctor Carlos Contramaeste el 19 de abril de 1965, donde le dice: “...Yo he lamentado mucho la destrucción que hizo de sus obras el joven de Escuque (Antonio José Fernández). pues él fue sordo ante mis súplicas y advertencias. Créame Doctor que a mi me preocupado eso; fue que él no tuvo valor para sobreponerse ante la torpe crítica de los que nada saben de arte (...)”. Ambas transcritas guardando la ortografía y sintaxis originales.
(7) Sambrano Urdaneta, Oscar. El Arcángel. Editorial Planeta Venezolana, S. A. Caracas, 1998. Pág. 115.

TEXTO E IMÁGENES EN -----> http://www.analitica.com/va/arte/dossier/9380711.asp

ADRIAN JOSÉ PÉREZ "GRONE ROMEPRI" - ARTISTA POPULAR

2011-03-26T11:57:00.001-04:30

en "Fabuladores del color" de Mariano Díaz, 1988

Grone Romepri

Por Pedro RodríguezRojas/Jannette García Yépez

En El Tocuyo han nacido tantos personajes en distintas áreas del saber humano: Músicos, poetas, pintores, artesanos, profesionales en todas las ramas, a veces desconocidos para nosotros, pero en Grone Romepri tenemos a un hombre que se ha desempeñado exitosamente en varias de estas disciplinas: Desde limpiabotas, pregonero, recolector de tomates en los sembradíos, albañil, boxeador, entrenador, garrotero, tamunanguero, compositor, músico, poeta y….pintor, y muchas mas, 77 artes como lo dice él. Ha compuesto varios golpes, el más conocido: ‘El Borracho’.

Para Perán Erminy “...es uno de los grandes maestros del arte popular venezolano del siglo XX, al lado de Bárbaro Rivas, Manasés, Emerio Darío Lunar, Josefa Sulbarán, Antonio José Fernández, Feliciano Carvallo, Salvador Valero, Luis Méndez, Cleto Rojas, Antonia Azuaje”.

Sin embargo su pintura no puede considerarse como ingenua y prefiere denominarla ‘arte conceptual’. Un arte conceptual sui géneris que no corresponde a ninguno de los modelos establecidos: “Esa es la principal característica que marca la identidad de las pinturas de Romepri. Su expresión es siempre exasperada y angustiosa, tanto en lo pintado como en lo escrito y en la suma de ambos, (…) mientras en las obras de Romepri se impone el humor, que no es nada cómico sino ácido y corrosivo...”.

Adrián Pérez nace en El Tocuyo el 3 de marzo de 1940. Lo llamaban ‘El negro Adrián’, hasta que en una película sobre Bolívar, ven su parecido con el Negro Primero y comienzan a llamarlo así. Él lo adopta pero escribiéndolo al revés, como acostumbraba hacerlo con los títulos de sus obras. Desde 1982, su obra ha sido expuesta en los salones de: Cervecería de Oriente, en Barcelona, Arte Popular de la Fundación Bigott, Colección de Arte de Petróleos de Venezuela y de la Fundación Polar. En 1992, participa en la cuarta Bienal de Arte Popular Salvador Valero, en Trujillo. En 1996, expone en el Museo de Arte Popular Bárbaro Rivas de Petare. Expone individualmente en la Galería La Otra Banda, Mérida, en la Galería Viva México, Caracas (en tres o cuatro ocasiones con carácter trienal), y en la Galería del Palacio Municipal de Caracas, entre muchas otras. Sobre Grone Romepri han escrito investigadores y críticos de arte como Juan Calzadilla, Francisco Da Antonio, Mariano Díaz, Carlos Contramaestre, Dámaso Ogaz, Beatrice Viggiani, Rafael Pineda, Jorge Godoy, Willy Aranguren, Hermann Garmendia, Aníbal Ortizpozo, Holanda Castro, Fina Weitz, entre otros.

texto en ---> http://www.elinformador.com.ve/noticias/opinion/columnas/grone-romepri/30904#

imágenes cortesía Colección Oswaldo Mora de arte popular venezolano

http://www.coleccionoswaldomora.com.ve/

EL TOCUYO - EDO. LARA

contacto : Calle 13 con Carrera 7 Urb. Pío Tamayo, preguntar

VIVIANO VARGAS - ARTISTA POPULAR

2011-03-02T12:01:00.002-04:30

Viviano Vargas nació en Canoabito el 2 de diciembre de 1917, hablando pausado Viviano cuenta sus vivencias, se especializa en la talla de trípticos, la inspiración de figuras que fluyen en sus momentos de reposo y que después va dibujando el corazón de la madera, con el prodigio de sus manos que más tarde tendrán un toque de pintura multicolor.

Comenzó a tallar cuando era muchacho, hacía tallas con figuras de pájaros. Después se metió en la agricultura de conuco encargado de haciendas, entonces dejó las tallas, el tiempo era poco y el trabajo era duro.

Volvió a dedicarse a tallar con los mismos rolitos de palos del conuco y una laja de piedra, seguidamente vinieron las exposiciones. Terminó de convencerse que a su edad era ser mejor tallista que conuquero. Sus tallas fueron conocidas en Valencia, cuando la Señora Josefa, cuyo apellido no recuerda, estuvo de vacaciones en Canoabo y ella se enteró de las obras de Viviano Vargas. El, nunca podrá olvidar que fue por un par de pericos y unos trípticos que aquella señora compró, que Viviano Vargas empezó a ser conocido como un artista popular y detrás vinieron sus paisanos, también conocidos en el arte ingenuo venezolano.

Aprendió por su propia cuenta, comenzó por un par de loritos, después vinieron muchas otras figuras como el tríptico que le llegó a la imaginación un día y así fue mejorando. Considera que la mejor talla está en el corazón de la madera del cedro, pero también de la corteza del aguacate, a veces utiliza lija y a veces piedritas pequeñas, la ocurrencia de sus trípticos le definió un estilo y para eso no utiliza sierra ni serrucho.

Junto a su esposa Susana Flores de Vargas, levantó una familia de nueve hijos y la descendencia llega en este momento a mas de cien nietos, estos cuando se reúnen, cuenta él de una forma muy cordial: “el taller se convierte en algo parecido a una escuela grande”.

Cuando era mas joven formó con sus hijos y familiares un conjunto familiar que algunos querían llamar “Los Vivianeros”, solo que para evitar los malos entendidos en familia acordaron llamarlo “El Conjunto de los Vargas”. Comentaba : “Cuando eso no había luz en canoabito, el alumbrado era con velas y querosén, pero las fiestas eran muy buenas y se prolongaban hasta el amanecer. A muchas familias de Canoabo, llevamos alegría con ese conjunto. Al final también dejé la música y me puse a hacer los muñecos de madera, me convencí que eso me daba mas resultado, sin trasnocho por ahí, sino en mi casa, que buen resultados me dieron y siguen dándome”

texto de Ramón Alberto Rodríguez en http://www.bejuma.com/portal/pagina/z_15_Viviano_Vargas.php

EN "POR UN CIELO DE BARROS Y MADERAS" de Mariano Díaz, Cerámica Carabobo 1984

FUNDACIÓN BIGOTT

2011-02-27T18:02:00.002-04:30

La Fundación Bigott se constituyó en el año 1963. Desde entonces ha desplegado una continua trayectoria institucional a través de programas educativos, culturales, agrícolas y ambientales. Posteriormente, y de acuerdo a la necesidad de redimensionarnos, acordó (1981) concentrar sus actividades en la promoción, desarrollo y fomento de la cultura tradicional en todos sus aspectos.

Esta institución busca convertirse en un modelo de participación e integración cultural, teniendo como punto de referencia la idiosincracia nacional y promoviendo la identificación cultural con nuestro país.

La misión institucional de la Fundación Bigott es promover y difundir la cultura tradicional venezolana en todos sus aspectos. Esta misión ha crecido en respuesta a la demanda de sus productos y servicios, lo que le ha otorgado con los años, un liderazgo incontestable en este terreno.

El rol mediador desarrollado por la Fundación Bigott, le ha permitido definir programas que buscan establecer un puente muy sólido entre las fuentes de lo popular y las grandes audiencias nacionales.

Fundación Bigott busca convertirse en un modelo de participación e integración cultural, en el que la idiosincrasia del venezolano y la identificación cultural con el país, sea el principal norte.

La estrategia para el logro de este objetivo se desarrolla por medio del entusiasmo, el orgullo y el sentido de pertenencia. Valores como el trabajo en equipo, la honestidad, la participación, la identificación, el carácter constructivo y la innovación complementan la propuesta de la institución.

TEXTO EN http://culturasucre.wordpress.com/otras-iniciativas-culturales/fundacion-bigott/

"CULTURA POPULAR QUE SE ESPARCE COMO EL HUMO"

Con un presupuesto de un millón de dólares anuales para proyectos educativos y de difusión, la Fundación Bigott tiene ya cerca de tres décadas cultivando el gusto por la cultura tradicional

Cómo se toca la bandola llanera? ?Cómo se baila el tamunangue? ?Qué significado tienen realmente los Diablos de Yare? ?Qué magias se ocultan detrás de la fabricación de un buen cuatro larense? Estas y tantas otras interrogantes -sobre lo que somos como pueblo, sobre nuestra propia identidad- acaso permanecerían en la sombra o reinarían tristemente en los desvencijados rincones del olvido, a no ser porque -desde su creación en 1981- la Fundación Bigott abrazó como su nicho natural el rescate, la preservación y la difusión de nuestra cultura popular.

Esta organización cuenta con un presupuesto anual cercano al millón de dólares, que se invierte tanto en sus propios gastos operativos como en sus programas educativos y de difusión. Tiene 15 empleados directos "y una asociación civil, llamada Autana, que son los profesores que imparten las clases acá", según introduce su gerente general, Marta Apitz.

Cigarrera Bigott maneja, no obstante, otras aristas no menos relevantes en su gestión de RSE, tales como el programa de manejo adecuado de agroquímicos, programas para el cuidado de la atmósfera, reciclaje de desechos sólidos, tratamiento de efluentes industriales, control del agua y reducción del consumo de energía, y las campañas "18 y punto", "Voluntarios por Venezuela" y "Creciendo".

Hitos en la memoria

Cuando se revisa la historia de Fundación Bigott, se constata que son varios y diversos los hitos. Se podría comenzar, por ejemplo, mencionando aquellos documentales para la televisión, transmitidos desde los años 80 por RCTV y Venezolana de Televisión (VTV) -hoy a través de La Tele y 30 televisoras regionales- llamados Encuentro con. Eran unos micros sobre nuestra cultura popular, que revisaban un tema por episodio, y con frecuencia se grababan en las propias regiones: la gaita zuliana, los tambores de Naiguatá, las tonadas llaneras, por ejemplo.

Apitz explica que "la compañía, en un momento dado, decidió dejar a un lado Encuentro con y dedicarse a otras cosas". En total se hicieron 136 micros de esta serie, que permanecería activa entre 1981 y 2000. Este año la Fundación Bigott hará un refrescamiento del formato y lanzará tres nuevos episodios.

Otra referencia de rigor es la revista Bigott, que irrumpió en los quioscos en 1983 -hasta 2004-, y en cuya jefatura de redacción estaría por un período dilatado la veterana periodista Milagros Socorro. Asimismo, la revista 21, que -precisa Apitz- "no te hablaba de cultura popular, sino de cultura venezolana urbana. Así que decidimos reenfocarnos en lo que somos expertos, que es la cultura tradicional, y quizá dejar a un lado ese abanico de cultura venezolana que da para mucho".

En el año 2000 la Fundación Bigott toma como sede una casa en el casco colonial de Petare. "La comunidad de Petare está muy metida aquí, en nuestros talleres de cultura popular. Más o menos 50 por ciento de nuestra matrícula pertenece a las zonas aledañas a Petare", relata la gerente.

Ambos proyectos editoriales, revista Bigott y revista 21, fueron enfriados de momento a favor de la inversión en proyectos educativos. El reto era masificar y, por eso, se crea el proyecto "Venezuela es nuestra Siembra".

En todo el país

Apitz expone que este proyecto está conformado por "convenios que, en una primera etapa, se suscribían con la Fundación del Niño y el Ministerio de Educación", pero que ahora se firman con las gobernaciones y las alcaldías. La Fundación Bigott aporta el conocimiento, los materiales y los profesores, y la gobernación o la alcaldía respectiva aporta la lista de los maestros de educación básica y la logística. "Son talleres que duran dos días, intensivos, pero el ciclo del convenio dura más o menos un año, ya que está conformado por tres talleres. A la finalización de esos tres talleres, se hace un cierre -a los cuatro meses-, donde los profesores, después de haber practicado en sus aulas de clases con sus maestros lo que aprendieron en estos tres talleres, van a una presentación, en donde tiene presencia la fundación, el gobernador, y allí se da como el cierre final". Todo lo anterior funciona bajo la denominación de "formación de formadores".

Este programa inició en 1995 y cerró por primera vez en 2000. Luego se retomó en 2004. En total se han formado 10 mil maestros, que tienen un impacto indirecto en unos 50 mil niños y niñas. En términos de locaciones, "Venezuela es nuestra siembra" ha tocado casi la totalidad del territorio nacional.

Con las comunidades

Otro lado del proyecto educativo de Fundación Bigott es la formación en danza, indumentaria y canto -entre otras manifestaciones- en diversas comunidades de la región capital. Dichas comunidades son, específicamente: Boquerón, La Vega, San Juan, Bello Campo, Pedregal y Petare. La gerente cultural comenta que, "adicionalmente, en Petare estamos haciendo los talleres para líderes comunitarios en cultura tradicional, con los consejos comunales de Petare. Es una experiencia nueva, en la cual los líderes comunitarios van a estar durante todo un año -el programa comenzó en enero- financiados por la Fundación Bigott, y ellos no solamente van a aprender, por ejemplo, a tocar cuatro, sino también a enseñar la metodología de enseñanza para dar clases de cuatro en su comunidad (.) así como talleres de percusión, canto, danza e indumentaria".

Los talleres de cultura popular son el concepto madre del programa educativo que, en resumen, parte de la sede, con los talleres que se imparten a diario, pasan luego a la formación de líderes comunitarios -a través de los consejos comunales de Petare-, sigue hacia las zonas mencionadas de la región capital, y por último se esparce por todo el país, a través del programa "Venezuela es nuestra siembra".

Difusión

La otra cara de la Fundación Bigott son sus proyectos en el área de difusión, la cual tiene a su vez dos vertientes: el proyecto editorial y el proyecto discográfico. En libros "tenemos diferentes tipos de publicaciones, la Serie Mayor, sobre cultura tradicional, tenemos otra línea que es la Bigotteca, un poco más amplia, que toca historia, literatura, antropología, periodismo, poesía". Igualmente tienen una serie llamada "En Venezuela", que ha publicado libros de bolsillo como "el Rock en Venezuela" y "la Telenovela en Venezuela", entre otros. "Este año estamos abocados a los Cuadernos Educativos, darle apoyo al área docente, para tener material impreso, para impartir los talleres". Asimismo, tienen una serie llamada Cuadernos de Estado, "que son -por ejemplo- el cuaderno en tradiciones del Zulia y de Carabobo".

Finalmente, en la parte discográfica, "tenemos dos grupos de proyección: Vasallos del Sol, que tiene 18 años, y con un repertorio afrovenezolano, y Pomarrosa, que son temas más urbanos. Tuvimos también al grupo Pasacalle, hasta 2005. Adicionalmente hacemos discos. Hemos hecho discos de Cheo Hurtado, de Cecilia Todd", comenta la gerente.

De manera complementaria, Fundación Bigott cuenta con un centro de documentación. Y por si fuera poco, el ente se mantiene permanentemente haciendo investigación en el área de cultura tradicional venezolana.

Algunas actividades completan la oferta: por ejemplo, cada tanto hacen en la sede una especie de tertulia denominada "Noches de Luna Llena", y -todos los miércoles- "los cafecitos".

Hallarle un sentido a la vida

Reyna Bello es una dama al borde de la cincuentena que, al ser consultada sobre qué hace en la Fundación Bigott, responde echando mano del humor: "!Qué no hago!". Está vinculada a la organización desde que la misma se asentó en el casco colonial de Petare, y comenzó como una estudiante: "Fui becada, fui haciendo mis talleres, y al paso del tiempo soy una profesora de la fundación".

Reyna es una de las instructoras del proyecto "Venezuela es nuestra siembra". Percibe una remuneración por su trabajo, y el instrumento que aprendió a ejecutar fue el cuatro. También aprendió danza. "Vi todos mis talleres de lectura musical, de técnica vocal", dice con orgullo. "La fundación te da la oportunidad de descubrir si eres capaz de manejar algún instrumento, de cantar. Segundo, es tu identidad. Ellos te ayudan a descubrir tu identidad, a conocer nuestras manifestaciones culturales. Y las nuevas técnicas y herramientas de cómo llevas la danza tradicional a la escuela, cómo trabajas los valores a través de ella. Yo vengo cuatro o cinco días a la semana", da cuenta de su rutina. "Mi hijo me dice que me va a mandar la cama", sonríe. "La gente que llega aquí transforma su vida".

De su lado, y con una guitarra más grande que él entre los brazos, Tayron Aguilera López es un joven de 24 años, con un leve retardo, que se presenta sin ambages: "Soy profesor de cuatro y de mandolina". Asiste a la Fundación Bigott desde que era niño, y -en estos momentos- lo hace de manera diaria. Asegura dominar las claves de Do Mayor y Sol Mayor, y sostiene que lo que más disfruta son los cantos larenses. Comenta que ahora recibe clases de bandola llanera, y, con una sonrisa solícita que cuelga entre sus mejillas, se despide alegremente y vuelve a internarse en el ensayo.

Alejandro Ramírez Morón

articulo en : http://www.producto.com.ve/rse/destacadas/cul_cultura_popular_que_se_esparce.php

"SIENTE LA TRADICIÓN"
Video clip conmemorativo de los 25 años de Fundación Bigott.
Video de Julio Méndez, Música de Jesús Rondón

Dirección:

Plaza Sucre Centro Histórico de Petare, Calle El Vigia, Casa 10-11.

Municipio Sucre.

Caracas, Venezuela

Teléfonos:

(0212) 272.2020 / Fax: (0212) 272.5942

mail: contacto@fundacionbigott.com

WEB OFICIAL: http://www.fundacionbigott.com

DAVID BELLO - ARTISTA POPULAR

2011-02-27T15:49:00.002-04:30

“La obra de un artista académico, o profesional, es reflejo de la Escuela de Arte. La obra de un artista ingenuo o autodidacta es reflejo de la Escuela de la Vida”.

David Bello

David Bello nació en Caracas en 1950, es un artista de formación autodidacta que inició su carrera a finales de la década de los años 80. Su obra recibió un reconocimiento temprano, especialmente en diversos salones de arte popular. En 1997 el Museo Jacobo Borges presentó su primera exposición individual titulada “Después de la muerte. David Bello”.

Un creador que destaca por el manejo de una técnica y un lenguaje expresivo muy personal, y por la escogencia de diversas temáticas estrechamente vinculadas a realidades sociales y políticas, tanto locales como mundiales. Temáticas que conjuga con elementos de un imaginario en el que se contraponen íconos de la cultura popular, imágenes de la historia del arte, entre otros múltiples referentes culturales.

Otra de sus cualidades es haber ideado una técnica que ha denominado “mosaico plástico” y que ha venido perfeccionando a través del tiempo. Se trata del uso de plástico de desecho como materia prima para sus composiciones, aprovechando el color y textura visual propia del material. El notable desarrollo técnico y conceptual de la obra plástica de David Bello ha permitido que pueda ser comprendida hoy como una propuesta contemporánea, con un sólido compromiso crítico con su contexto histórico

Bello ha realizado cuatro exposiciones individuales y ha participado en numerosas muestras colectivas. Ha recibido distinciones y premios, entre los que resaltan: primer premio III Salón de pintura Corpoven (1987); premio único XXVII Salón de arte Lagoven (1996); primer premio XXVIII Salón de arte Lagoven (1997); menciones especiales, premio municipal de artes visuales Juan Lovera, ediciones: 1997, 1999, 2004 y 2005; mención especial I Salón Bigott de arte popular (1999); The award of excellence, Salón hispanoamericano de arte religioso, Miami; Premio municipal de cultura popular Aquiles Nazoa (2005). Su obra está representada en Fundación Museos Nacionales – Museo Jacobo Borges, Fundación Arturo Michelena, Banco Industrial de Venezuela, Museo del Indio Americano, Washington, D.C.

TEXTO EN http://www.noticierocultural.com/2010/06/16/david-bello-revela-su-escuela-de-vida/

vídeo de "La movida cultural", espacio cultural que realiza reportajes a artistas de los diferentes ámbitos culturales y notas de las actividades que suceden semana a semana en la Gran Caracas, transmitido todos los jueves a las 7:30 PM por Tves.

CARACAS - DISTRITO CAPITAL

contacto : FUNDACIÓN "IPIAR-TUMEREN"

Boleíta norte, calle Santa Clara, edificio Tulipán, en horario abierto al público, lunes a viernes, de 9:00 am., hasta las 4:00 pm.

TUMEREM@GMAIL.COM

FUNDACIÓN "IPIAR-TUMEREM"

2011-02-27T14:51:00.006-04:30

Fundación Cultural Ipiar Tumerem

Situada en la parte alta de Boleíta, la Fundación Cultural Ipiar Tumerem cuenta en sus instalaciones con una Galería de Arte, una terraza con vista a El Ávila para la degustación de gastronomía venezolana, y un área de expo venta permanente de piezas de arte popular, con el fin de brindar apoyo y al mismo tiempo dar a conocer el trabajo que realizan los nuestros artistas populares.

Establecida por su fundador Ovidio Ramella en 2006, esta Fundación se ha trazado como meta la formación de capital creativo venezolano, mediante la preparación y promoción de los artistas y artesanos populares de Venezuela, en procura de su reivindicación y seguridad social, el reconocimiento y colocación de sus obras en términos dignos.

Ipiar Tumerem significa Muro pintado en lengua Caribe, y ejemplifica la más desarrollada de las artes aborígenes en Venezuela: la pintura abierta de los petroglifos. Una de sus acciones permanentes es el programa de Talleres integrales, donde al artista tiene un espacio para desarrollar su trabajo creativo, con herramientas, materiales y personal docente conocedor de las técnicas y expresiones del imaginario popular; así como también, apoya a distintos artistas urbanos populares para ampliar su preparación en mosaico, pintura y tallas. Asimismo implementa un plan para el apoyo artistas con discapacidad de conformidad a la Ley Orgánica y a creadores populares que tengan problemas con el consumo de drogas y alcohol.

texto en : http://culturasucre.wordpress.com/2010/11/19/pesebres-recreados-por-el-arte-popular-en-la-fundacion-ipiar-tumerem/

CARACAS - DTTO. CAPITAL

contacto : Urb. Boleíta Norte, calle Santa Clara, Edif. Tulipán

de lunes a viernes de 9 am. a 4 pm.

CORREO : tumerem@gmail.com

TLF. : 0212 2347687

http://tumerem.com/

PINI MARIANA DÍAZ - PERSONAJES DE COLOR

2011-02-25T14:13:00.005-04:30

PAMPATAR - EDO. NUEVA ESPARTA

contacto : "Pitiguey arte"

Av. Jose María Vargas, fte. a la playa de "La Caranta"

tlf. 0295 9885535 / 0426 7891139 pitigueycreaciones@hotmail.com

marianapini@yahoo.es

http://www.facebook.com/profile.php?id=100000715194806&sk=wall

KAREN Y MARTA CASTILLO - ARTISTAS DEL COLOR

2011-02-11T18:56:00.003-04:30

Karen y Marta Castillo Berbín, representan en sus pinturas parte de su origen ecléctico: nacen en Caracas, de padres margariteños y terminan su crianza en Barquisimeto. La cosmopolita caraqueña se integro a el espíritu alegre y desenfadado del margariteño, coloreado finalmente con los rojos atardeceres larenses

Su expresividad y talento artístico se intuye desde muy joven. Explorando caminos creativos estudian publicidad y finalmente encuentran su visión de vida: la pintura.

Utilizando piezas artesanales sobre los cuales expresan un gran colorido y conceptos contemporáneos, dan forma a una línea utilitaria y decorativa, con el carácter único de la obra hecha a mano, con vida propia y estilo personal.

Arcilla y madera, lienzos ideales para esta visión gemela, mas no idéntica, de la realidad. Dos visiones y dos espíritus hermanados para entregarnos una obra artística fresca, moderna y juvenil.

BARQUISIMETO - EDO LARA

contacto : 0414 5174322 / 0416 7569093
0251 253.37.85

anubisartesania@hotmail.com

http://www.anubisgaleria.com

MANASÉS - Santiago Manasés Rodríguez - ARTISTA POPULAR

2011-02-10T10:25:00.001-04:30

en "FABULADORES DEL COLOR" - Mariano Díaz, Fundación Bigott 1988

Nació en Catia, Caracas, el 24 de julio de 1921. De formación autodidacta y profesión taxista, prestaba servicios al personal del diario El Nacional de Caracas cuando, empleando servilletas y materiales desechables, realizó los primeros dibujos que llamaron la atención de críticos y pintores. Por esta vía autodidáctica, en 1966, a instancias de Víctor Valera y Rafael Pineda, su obra fue revelada al público en una exposición individual celebrada en la Galería 22, en Caracas. En principio incluido en el movimiento ingenuista, desde 1967 Manasés comenzó a intervenir en el Salón Oficial de Arte Venezolano, en donde obtuvo en 1969 el Premio Emil Friedman para Dibujo; figuró también en numerosas muestras de arte ingenuo en Venezuela. Falleció en Las Tunitas, Catia La Mar, en 1992.

Además de la mencionada exposición, obras suyas se reunieron en muestras individuales realizadas en la Galería 40 Grados a la Sombra, Maracaibo; Galería la Pinacoteca, 1967; Taller Troll, Petare, 1968; Galería Track, 1972; Galería del BANAP, 1972; Galería Arte de Venezuela, 1984. Fue incluido en la retrospectiva "Fabuladores de la imaginación", llevada a cabo en el MACC, 1977 y en "Confluencias", Museo de Arte Popular de Petare, 1993, llevada a cabo bajo la curaduría de Perán Erminy. Este mismo museo presentó una retrospectiva de la obra de Manasés Rodríguez, Petare, estado Miranda, en 1993.

texto tomado de : http://www.bcv.org.ve/blanksite/c3/colecarte/rodriguezsm_index.htm

NELSON BLANCO - ARTISTA POPULAR

2011-01-28T21:49:00.001-04:30

"Desde que descubri que tenia talento para las artes he estado en una constante busqueda interior a pesar de mis limitaciones
mentales y corporales y tratando de vencer todo lo malo que interiormente no te deja y constantemente te esta pisando.

Pienso que la vida es un lienzo donde el trabajo del pensamiento a través de una obra es el origen donde interactuas con el espectador y le permites entrar en tú mundo y los colores son el estado de animo que tienes en la vida.

Cuando descubri que hay una fuerza sobrenatural que te va guiando por el camino correcto los cristianos católicos le decimos "el espiritú Santo", he tenido una visión diferente de lo que soy como persona y lo que debo transmitir en todo momento. Mi visión sobre la vida es que hay que disfrutar el momento y apreciar todo lo que tienes y lo que haz logrado por el esfuerzo de tú trabajo y el reconocimiento de las demás personas hacia ti.

He participado en varios encuentros artesanales, en dos oportunidades en la Bienal de Arte Popular de la Alcaldía de Naguanagua y dos veces en un concurso de pintura rápida de los "Festivales del Samán".

Me dedico a las tallas de madera con motivos religiosos, urbanos e históricos, en el año 2010 estuve realizando una obra al aire libre llamada "El cacique Queipa y la princesa Tibaire" culminándola en Diciembre tras dos meses y medio en su elaboración.

Hasta ahora no he ganado ningún premio, solamente el reconocimiento de las personas que cuando ven mis

obras les veo el brillo de la felicidad en sus ojos, que más puedo pedir? "

SAN DIEGO - EDO. CARABOBO

contacto : tlfs. 0414 4147489

nelsonblanco71@gmail.com